О. Киташова - Музей изящных искусств Бильбао
Он изобразил реку Исоль в небольшом французском городке Кемперле, уводя ее вглубь картины, подобно тому, как обыкновенно художники, стремящиеся создать эффект пространственности, пишут дорогу. Ее центральное расположение и точка зрения сверху будто бы помещают зрителя на мостик, где, вероятно, и находился Беруэте, когда работал над полотном. Очевидно, что мастера интересовали передача отражения в водной глади реки, находящихся по берегам зданий и солнечного света, а также сохранение живой фактуры воды, чего он добивается с помощью тонких волнистых мазков.
Адольфо Гуйард (1860–1916) Деревенская девочка с красной гвоздикой 1903. Холст, масло. 73x60Художник баскского происхождения Адольфо Гуйард родился и обучался живописи в Бильбао, затем переехал в Барселону, а позже, в 1878, в Париж, где познакомился с искусством импрессионистов, оказавшим на него сильнейшее влияние. Прежде всего, это творчество Эдгара Дега, с которым Гуйард был знаком лично.
Вдохновившись идеей пленэра — живописи на открытом воздухе, — мастер по возвращении из Парижа поселился в Бакио, небольшом городе близ Бильбао, где начал писать в новой манере, привнося европейские импрессионистические новшества в склонную к консерватизму баскскую «почву».
Картина «Деревенская девочка с красной гвоздикой» — зрелое произведение живописца. Здесь можно заметить переосмысленное применение художественных приемов Дега, в частности способа формирования колорита. Неоднородность цветового поля, которую тот всегда создавал в своих пастелях, возникает и в данной работе у Гуйарда. Множество приглушенных оттенков одновременно скрывают и раскрывают друг друга, образуя в итоге неоднородную и сложную, но, тем не менее, единую тональность, в ней существует вся изображенная сцена. Единственный не вписывающийся в эту идеальную по своей цельности колористическую систему объект — ярко-красная гвоздика во рту у героини. Своеобразие, несхожесть с остальными элементами картины, а также неожиданная резкость подачи делают этот цветок деталью, внезапно рождающей провокационный, вызывающий образ, который заставляет пошатнуться первоначальное безмятежно-отстраненное впечатление.
Дарио де Регойос (1857–1913) Страстная пятница в Кастилье 1904. Холст, масло. 81x65,5Картина «Страстная пятница» Дарио де Регойоса отличается сдержанным, по сравнению с другими его работами этого периода, колоритом, но сохраняет черты влияния пуантилизма, проявляющиеся в неоднородном, рваном мазке и соседстве дополнительных по отношению друг к другу сиреневых и охристых оттенков. На полотне изображен традиционный церковный ритуал, осуществляемый по католической традиции в Страстную пятницу, — богослужение крестного пути. Композиция строится таким образом, что уходящая вглубь по диагонали процессия верующих невольно противопоставляется рассекающему картину поперек паровозу, который на полном ходу переезжает через мост. Это также подчеркивается тем, что группа людей располагается в нижней части холста, а паровоз — вверху над ними. В итоге образуются две соперничающие, решенные в сходном колорите линии, которые, несмотря на отсутствие явной точки пересечения, скрещиваются в пространстве под прямым углом, что невольно наталкивает на размышления о сосуществовании и характере взаимодействия религиозной традиции и новшеств технической революции в современном мире.
Эрменхильдо Англада Камараса (1871–1959) Обнаженная под виноградной лозой. Около 1909–1910. Холст, масло. 140x85Эрменхильдо Англада Камараса — художник каталонского происхождения, яркий представитель постимпрессионизма в Испании. Его творчество формировалось под воздействием модернистской живописи Анри де Тулуз-Лотрека, Эдгара Дега и мастеров Венского сецессиона, в частности Густава Климта. Высокая степень декоративности также свидетельствует об определенных влияниях восточного и арабского искусства. Яркие насыщенные цвета, формирующие выразительность полотен автора, предвещают приход фовизма.
Данная картина относится ко второму парижскому этапу творчества мастера (1904–1914), когда он в основном работал над изображением женских фигур и портретов в сочетании с фольклорными и орнаментальными цветочными мотивами. Произведения этого времени характеризуются стремлением к передаче обнаженной натуры в экспрессивно-чувственном ключе. Камараса изобразил героиню как часть окружающей ее природы. Силуэт находит отражение в линиях, формирующих виноградную лозу, перекликается с ними. Фигура девушки будто рождается из стихийных форм, прорастает из драпировок, скрывающих нижнюю часть ее тела, подобно извилистой и гибкой лозе. Колорит придает картине ощущение таинственного, мистериального действа, застывшего во времени.
Мануэль Лосада (1865–1949) Гребцы. Около 1912. Холст, масло. 100,5x171,5Испанец Мануэль Лосада известен помимо своей живописи тем, что в 1911 основал Ассоциацию художников-басков, а в 1914 стал директором Музея изящных искусств в Бильбао. Он учился в Париже, и в его творчестве значительную роль играют черты французского постимпрессионизма. Многие произведения Лосада посвятил различным сценам из жизни Бильбао.
На данном холсте живописец изобразил соревнования по гребле. Сильно вытянутый по горизонтали формат полотна и диагональное расположение лодки на первом плане создают эффект динамики, и кажется, что стоит атлетам сделать еще один гребок, и они пересекут пределы холста. Большую роль в формировании движения приобретают ритмические композиционные построения. К ним относятся такие повторяющиеся элементы, как параллельно расположенные весла в руках у героев, чередование голов, повернутых в разные стороны, а также разные оттенки рубашек, не позволяющие телам слиться в единое, неразделимое пятно. Лосада использовал широкую свободную манеру письма, в которой больше внимания уделяется крупным плоскостям, чем деталям. Прихотливые движения мазка, с помощью которых написаны брюки гребцов, напоминают о живописной технике Винсента Ван Гога. Избранный мастером колорит спокоен и неагрессивен, в нем доминируют оттенки синего и зеленого, что вполне логично для картины, где море сливается с небом, а земля предстает лишь в виде небольшого удаленного островка. Такое цветовое решение способствует созданию безмятежного ощущения и даже сглаживает присутствующий, согласно сюжету, элемент соревновательности, склоняя зрителя воспринимать полотно исключительно как сочетание чистых форм.
Игнасио Сулоага-и-Сабалета (1870–1945) Кардинал 1912. Холст, масло. 201x236,3Игнасио Сулоага-и-Сабалета — живописец, родившийся в Стране Басков, известный своими портретами и жанровыми работами. В молодости он провел несколько лет в Париже, где испытал сильное влияние Гогена, Тулуз-Лотрека и Дега. По возвращении в Испанию он постепенно отходит от их воздействия, все больше обращаясь к национальной художественной традиции и творчеству таких мастеров, как Веласкес, Эль Греко, Сурбаран, Рибера и Гойя, чьи работы копировал в музее Прадо еще до отъезда во Францию. В итоге стиль автора приобрел суровые и мрачные черты, далекие от манеры большинства современных ему испанских живописцев, нацеленных на импрессионистическую чистоту и яркость цвета.
Холст внушительных размеров «Кардинал» демонстрирует причудливое объединение модерна с очевидным преследованием ценностей и художественной манеры золотого века испанской живописи. Общее впечатление от картины не позволяет усомниться в ее принадлежности к современности: об этом свидетельствуют способ построения композиции, в нем мастер смело создает фигуры поистине грандиозного масштаба, которым оказывается подчинена вся поверхность полотна, работа с фактурами и цветом, специфическая декоративность и театральность. Однако уже выбор сюжета, всегда актуального для испанской живописи, помещает картину во вневременное пространство, а острое холодное освещение, резкие светотеневые контрасты, удлиненные пропорции фигур и мистические просветы в мрачном небе неминуемо вызывают воспоминания о духовно-отвлеченном творчестве Эль Греко. Сулоага объединяет сцену, происходящую в интерьере, с пейзажем, причем очертания скал написаны сходным образом со складками будто окаменевшей пунцовой кардинальской мантии, что придает и без того значительному образу священнослужителя еще большую монументальность.
Франсиско Итуррино Гонсалес (1864–1924) Портрет дона Рафаэля Эчеваррии 1913. Холст, масло. 145,3x115,4Франсиско Итуррино Гонсалес — художник-постимпрессионист, один из основных представителей фовизма в Испании. Он был горячим поклонником творчества Огюста Ренуара, это нашло отражение в его работах. Другом Итуррино Гонсалеса был Анри Матисс, они вместе путешествовали и работали.
