О. Киташова - Музей изящных искусств Бильбао
Картина с изображением стирающих женщин была выполнена мастером во время недолгого проживания у Ван Гога в Арле, где тот мечтал создать сообщество живописцев-единомышленников. В формальном отношении оба творца стремились к нестандартным колористическим решениям, а в сюжетном плане их наиболее привлекало изображение жизни простых людей, как можно более далеких от нравов парижан. Ван Гог считал Арль, его природу и жителей как нельзя лучше подходящими для использования в качестве живописной натуры. Хотя Гоген был неудовлетворен жизнью в Арле, за эти несколько месяцев им обоим удалось создать ряд полотен, обменяться опытом и в определенной степени повлиять друг на друга. Так, например, мотив стирающих женщин вполне можно считать заимствованным у Ван Гога, поскольку это один из его излюбленных сюжетов.
Краски Прованса не стали откровением для мечтавшего о насыщенности и изобилии цветов юга Гогена, однако именно Арль стал последней ступенью на пути к окончательному прощанию с цивилизацией и отъезду на Таити, здесь заметны его устремления. Наиболее важным для художника было показать неразрывную связь изображаемых им персонажей с истинным естеством жизни, с природой, которая воспринималась им как высшая ценность. Фигуры стирающих женщин сложно отделить от окружающей среды. Они не акцентируются объемом и не отбрасывают теней, их тела образованы текучими линиями, сформированными по тем же законам, что и очертания волн в реке и островки зелени на земле, сосуществующие в едином ритме с ними. Вдохновленный характерным для искусства Японии и других неевропейских стран подходом к цвету, Гоген пришел к оригинальному колористическому решению. Отказываясь от плавных переходов, он столкнул спокойные пастельные оттенки, которыми написана река, с сильными и насыщенными цветами отражающегося в воде солнца. Несмотря на интенсивность, цвета у художника не локальны: плоскости создаются путем совмещения нескольких оттенков одного цвета.
Мэри Кэссет (1844–1926) Сидящая женщина с ребенком на руках 1890. Холст, масло. 81x65,5Мэри Кэссет — художница из Америки, прожившая большую часть жизни во Франции, являющаяся представительницей импрессионистической живописи. Она была дружна с Эдгаром Дега, в Париже работы Кэссет не раз выставлялись вместе с произведениями других импрессионистов.
Сцены материнства становятся лейтмотивом ее зрелого и позднего творчества. В работах подобного рода Кэссет опиралась на традиции изображения Мадонны с Младенцем в эпоху Возрождения, стремилась передать неразрывность их связи, избегала лишней сентиментальности.
Светлые пастельные тона, плавные линии, мягкие движения кисти наполняют данное произведение устойчивым ощущением глубокого внутреннего спокойствия, уверенности и нежности. Художница не показывает лицо матери, поэтому единственным «окном», открывающим зрителю картину, становится фигура ребенка, которая выделяется теплотой колорита. Лицо малыша с выразительными ярко-голубыми глазами может показаться печальным, однако близость с матерью, поза с вытянутой рукой и склоненной головкой создают атмосферу надежности, когда любые огорчения, даже если они и имеют место, легко будут преодолены.
Хоакин Соролья (1863–1923) Целование мощей 1893. Холст, масло. 103,5x125,5Хоакин Соролья — один из ведущих представителей импрессионизма в Испании, наиболее известный изображением беззаботных сцен, происходящих на солнечном валенсийском побережье. Однако подобные работы, наполненные светом и яркостью красок, появились лишь в зрелый период творчества художника. Начинал он с создания полотен, более близких по технике исполнения к академическому реализму, часто поднимая в них социальные проблемы.
Картина «Целование мощей» уже предопределяет будущий, будто спонтанный по своей легкости характер мазка Сорольи, однако ее колорит очень сдержан, даже золотые украшения, присущие пышным католическим церквям, написаны приглушенно. Располагая фигуры людей в глубине полотна на одной линии, мастер привнес в работу повествовательный элемент и эффект театральной мизансцены, развивающейся во времени.
Художник запечатлел эпизод из жизни простых людей. Небольшая группка, очевидно, небогатых прихожан молится в церкви с надеждой на то, что поклонение мощам неизвестного зрителю святого поможет справиться с жизненными невзгодами. Типичный ритуал сопровождается на картине Сорольи отнесенной в левую сторону сценой, изображающей пожилую женщину, дающую деньги мальчику-служке. Композиционно противопоставляя их фигурам героинь, склоненных к реликварию в руках священника, мастер объединяет мотивы молитвы, надежды и ответного воздаяния за ее обретение.
Анри ле Сидане (1862–1939) Канал Брюгге 1899. Холст, масло. 60,5x73Анри ле Сидане — французский художник, чьим учителем в Школе изящных искусств был Александр Кабанель. Мастер не завершил академическое образование, променяв его на свободу живописных экспериментов. Его работы относятся к постимпрессионистическому направлению — интимизму (от латинского «intimus» — «самый глубокий, тайный, сокровенный, искренний, задушевный»). Художники-интимисты изображали жанровые и пейзажные сцены, где намеренно подчеркивалась двумерность пространства, а на первый план выходила работа со светом и цветом.
«Канал Брюгге» — типичное для творчества Сидане полотно, в котором живописная среда строится на основе ряда оттенков, принадлежащих одной цветовой гамме. Для изображения осеннего вечера в Брюгге художник избирает теплые и насыщенные карминово-красные, бордовые, коричневые, золотистые тона. Увядающая листва здесь становится волшебным проводником мерцающего света на погружающуюся во тьму набережную, причем это характерно как для крон деревьев, так и для поблескивающих на мрачной глади канала опавших листьев. Типичный для Сидане будто трепещущий мазок, развившийся из импрессионистической манеры художников прежних лет, придает живописной ткани особый род подвижности.
Отличительной чертой мастера является своеобразное одомашнивание уличных сцен, его пейзажи всегда носят камерный характер, создают свойственное, скорее, интерьерам ощущение уюта. Мир природы и города у Сидане не противопоставлен человеку, а соразмерен и, можно сказать, подчинен ему, существует исключительно для него. Эти черты проявляются и в данном полотне, где осень не кажется холодной, а поздний вечер — пугающе темным и гнетущим, несмотря на отсутствие прохожих и освещения.
Искусство XX Века
Испанский мастер Дарио де Регойос обучался живописи в Академии Сан-Фернандо, а также в Брюсселе, где и сформировался его художественный стиль. Он участвовал в создании таких объединений, как «Общество двадцати» и «L'Essor». В зрелом периоде его творчество становится наиболее близко к импрессионизму и пуантилизму. В этих стилях мастер писал пейзажи провинций Бискайя и Гипускоа — баскских областей Испании, где жил в то время.
Картина «Купальщики в Рентерии» демонстрирует интерес де Регойоса к пуантилистической живописи. Несмотря на то что она не распадается на отдельные атомы точечных мазков кисти, как, например, у основоположника этого метода французского мастера Жоржа Сёра, определенные черты пуантилизма все же присутствуют. Это и предпочтение, которое художник отдает чистым цветам, и сопоставление на холсте дополнительных цветов — желто-оранжевые тела обнаженных купальщиков соседствуют с их сине-фиолетовыми тенями. Данные приемы направлены на создание оптического эффекта взаимодействия тонов, сходного с тем, который формируется в человеческом глазу под воздействием настоящей световоздушной среды. Именно ее пытались воспроизвести в своих работах пуантилисты.
Аурелиано де Беруэте-и-Морет (1845–1912) Река Исоль (Кемперле) 1901. Холст, масло. 50x38Аурелиано де Беруэте-и-Морет бросил перспективную карьеру адвоката, чтобы полностью посвятить себя живописи, которой обучался в Академии изящных искусств Сан-Фернандо. Молодой человек унаследовал живописную технику от Карлоса де Хаса и Мартина Рико — своих учителей. Безусловно, именно они повлияли на приверженность мастера к пейзажам, написанным с натуры в импрессионистической манере. Художник работает на открытом воздухе и не скрывает мазок кисти, однако колорит остается весьма сдержанным, в этом проявляется сильная связь Беруэте с классической традицией.
Он изобразил реку Исоль в небольшом французском городке Кемперле, уводя ее вглубь картины, подобно тому, как обыкновенно художники, стремящиеся создать эффект пространственности, пишут дорогу. Ее центральное расположение и точка зрения сверху будто бы помещают зрителя на мостик, где, вероятно, и находился Беруэте, когда работал над полотном. Очевидно, что мастера интересовали передача отражения в водной глади реки, находящихся по берегам зданий и солнечного света, а также сохранение живой фактуры воды, чего он добивается с помощью тонких волнистых мазков.
