Ватикан - Владович С. В.

Мелоццо поместил в эту композицию и портрет папы Сикста IV. Папа запечатлен в тот момент, когда передает в руки ученого-гуманиста Платины (?—1481) свою библиотеку. Вся фреска выполнена в сиреневых, оливковых, пурпурных тонах и отражает атмосферу торжественности и духовности. Усиливает значительность события и фон грандиозных, постепенно уходящих вдаль аркад.

Папскую пинакотеку расписывали многие известные художники Возрождения. Особенный интерес к ней возрос только в это время, поэтому и трудились в ней, исполняя папские приказы, мастера эпохи Ренессанса.

Так, например, Рафаэль совместно с Перуджино расписал фреску «Возрождение». Это произведение представляет собой образец работ раннего Рафаэля. Многие критики говорили о преобладании тенденций художественной манеры Перуджино в картине.

Всего в папской пинакотеке несколько фресок и картин, выполненных Рафаэлем. Это «Пределла», «Благовещение», «Поклонение волхвов», «Сретение». Каждая фреска не очень большая по размерам: всего 27 см на 50 см.

В 1502—1503 гг. была выполнена еще одна фреска – «Коронация Марии». История ее начинается с заказа семейства Одди, которое поручило написать ее Перуджино. Но тот из-за нехватки времени передал картину своим ученикам. Среди них оказался юный Рафаэль.

Вот что представляет собой эта работа. В пределах одной доски соединены две разные сцены, как это принято в иконографии. Сцена коронации Марии изображена в верхнем углу, а в нижнем представлен сюжет передачи пояса св. Фоме.

Традиционно этот эпизод не отрывали от Успения, представляли эти два мотива только вместе. Художник использовал перспективу и перспективное углубление в пространство. Это было нововведение, придуманное и впервые использованное Рафаэлем в своих работах. Придирчивые критики могли бы отметить некоторую композиционную незрелость картины, неуверенность. Это сказывается в традиционном разделении ее на две части, которые, несмотря на это, конечно же, тематически связаны друг с другом.

Новые черты заметны в отличном от Кватроченто построении и расположении действующих лиц. Так, фигура Мадонны изображена по диагонали – такого еще не было в традиционном представлении картин на библейские сюжеты. Рафаэль, бесспорно, очень тщательно и детально продумал композицию, учел каждый штрих, каждую деталь. Об этом красноречиво свидетельствуют его рисунки и многочисленные наброски к «Коронации Марии». Все изображение действительно удивительно красиво и даже в чем-то необычно для молодого Рафаэля. Особенно удачно получились спокойные, исполненные величавой торжественности лица апостолов. Фоном служит пейзаж, который изображен где-то в глубине.

«Поклонение волхвов» поражает огромной толпой народа, которая движется в непонятном направлении. Причем это движение настолько мастерски передано, что кажется, будто за толпой устремляется и воздух.

В одном из залов Ватиканской пинакотеки хранится «Святой Иероним» – единственное здесь произведение Леонардо да Винчи. Эта незаконченная вещь воспринимается как мастерский этюд обнаженной натуры в сложном движении.

Но надо отметить, что ни один из современников Леонардо не упоминает об этой картине. Тем не менее по поводу авторства данной работы никогда не возникало никаких сомнений. Безусловно, картина принадлежит кисти Леонардо да Винчи. Стилистические мотивы связаны с живописной манерой этого художника. Здесь в центре внимания одинокий герой, чье лицо высохло от поста, горя и покаяния, но его взгляд полон решимости и воли.

В произведениях Леонардо лица никогда не несут в себе второстепенного значения, неопределенных чувств. Они воплощают глубокие страсти, которые почти никто из известных мастеров эпохи Возрождения, кроме Леонардо да Винчи, не способен был передать в таком объеме и с такой впечатляющей силой. В изображении головы сказывается прекрасное знание великим мастером человеческой анатомии, которое, как указывают исследователи, восходит к традициям флорентийского искусства.

Св. Иероним. Художник Леонардо да Винчи

Новым в картине является синтез анатомического опыта и изучения движения. Фигура представлена коленопреклоненной, она устремлена вперед, в то время как правая рука протянута в сторону и сжимает камень. По этому движению можно догадаться, что вскоре последуют покаянные удары в грудь.

Фигура растянувшегося льва завершает спиральную пирамиду с фигурой святого. Композиционная схема начинается с четкого очертания гор в глубине картины, охватывает скалистый грот, место уединения Иеронима, и заканчивается кривой, образуемой спиной животного.

Такое построение наиболее характерно для Леонардо, который раз и навсегда отказался от установленной в эпоху Возрождения традиции строить картины симметрично, чтобы при этом левая сторона была полным отражением правой.

Леонардо да Винчи ввел новую концепцию живописного изображения. В его картинах, в том числе и в «Святом Иерониме», доминируют пространство и объем. Важную роль играет воздушное пространство, окружающее образы. «Святой Иероним» – достаточно ранняя картина, но уже в ней можно разглядеть основные приемы и методы, к которым прибегает Леонардо, увидеть и опознать стиль его письма.

В собрании искусств XVII в. в пинакотеке хранится единственное произведение Микеланджело да Караваджо. Это монументальная картина «Положение во гроб» – вершина его творчества, наряду с «Успением Марии», которая принадлежит парижскому Лувру.

Картина была выполнена по заказу для церкви Санта-Мария ин Валичелла в Риме. Художник начал работу над ней в 1602—1603 гг. Предполагалось, что это будет целая большая композиция, состоящая из двух частей – объединенных воедино евангельских иконографических сюжетов: «Оплакивание Христа» и «Положение во гроб».

Трагическая тема картины решена мастером с большой силой и благородной сдержанностью. Перед зрителем раскрывается зияющая могила с каменными плитами, в которую опускают безжизненное тело Христа. Его сопровождают и собственноручно опускают в гроб Никодим и Иоанн. За ними стоят три скорбящие арии. Композиция картины строится на последовательном развертывании ритмов склоняющихся фигур. Скорбное безмолвие группы нарушается лишь патетическим жестом вскинутых к небу рук Магдалины. Все образы наполнены огромным внутренним напряжением, которое передано автором в медленном движении тяжело опускаемого тела Христа и усилено звучанием насыщенных красок. В образе Иисуса Караваджо воплотил идею героической смерти.

Центральное место в композиции картины, как уже было сказано, занимает тело мертвого Христа. В его изображении, в красоте мощно смоделированного тела есть что-то языческое. Остается только удивляться, как Караваджо посмел влить эту языческую струю в картину, которая должна была украшать церковь. Кажется, что это сцена погребения вождя племени или жреца, но никак не Иисуса. Хотя, возможно, в такой способ показа Христа Караваджо вкладывает определенный смысл.

На заре формирования христианской религии Иисус Христос воспринимался не как Бог, а как вождь, как человек, за которым шли другие люди, которого слушались и которому поклонялись. Многие критики утверждают, что здесь Христос просто похож на цыгана и что Караваджо нашел интересное, колоритное лицо, запечатленное в этом образе. А вот святой Никодим похож на грузчика с Плацца Навона, плачущая Магдалина – на Лену, спутницу жизни Караваджо.

Мастер попросту написал в картине портрет своей подруги. Ввиду этого церковь, для которой предназначалась картина, отвергла ее, не задумываясь. Но это нисколько не уменьшило славы шедевра в веках.

Краски, доминирующие на полотне, очень яркие и насыщенные. Караваджо использует синие, красные, белые тона, которые усиливают напряжение происходящих событий, их значительность.

Неудивительно, что все произведение имело такой успех у соотечественников Караваджо. Его оценили не только друзья, но, что более удивительно и значимо, и враги. Картина покоряла не только монументальностью, необычностью пирамидальной композиции, яркостью красок, патетикой чувств, движений и эмоций, которыми перенасыщено полотно, но в основном беспримерной конкретностью живописного видения, наглядной, почти физической ощутимостью воплощения художественного образа.