Екатерина Останина - Мастера авангарда
П. Пикассо. «Любительница абсента», 1901 год
П. Пикассо. «Арлекин и его подружка (Странствующие гимнасты)», 1901 год, ГМИИ, Москва
Сначала в работах художника можно было заметить подражание произведениям импрессионистов и постимпрессионистов: Тулуз-Лотрека, Сезанна, Дега и Боннара, но очень скоро он начал искать собственный путь самовыражения в искусстве.
Период с 1901 по 1904 год называется «Голубой период». Он отмечен отвлеченными иносказаниями с символическими значениями аксессуаров и ритмически организованной композицией.
Так, осенью 1901 года Пикассо исполнил два знаменитых полотна — «Арлекин и его подружка» и «Любительница абсента». Персонажи этих полотен изображены за столиком в кафе. Краски кажутся бедными и грубыми, как и сами костюмы героев, но за их приглушенностью легко угадывается лазурный, золотой и алый цвета. Все в этих композициях символично. Зеленый абсент в рюмке означает горечь и скорбь, фигура женщины-пьяницы, как будто завязанной узлом, напоминает химеры с собора Нотр-Дам. Она представляется своеобразным воплощением мирового зла с его алхимическим атрибутом — зловещим эликсиром, вызывающим галлюцинации, который поблескивает на дне рюмки.
Синева у Пикассо — символ меланхолии и глубокой грусти. Он часто изображает нищих и слепцов, бесприютных и жмущихся друг к другу, которые воплощают тоску и одиночество в холодном ночном мире. Таковы «Старый гитарист» (1903, Художественный институт, Чикаго), «Бедняки на берегу моря» (1903, Национальная галерея, Вашингтон), «Ужин слепца» (1903, Метрополитен-музей, Нью-Йорк).
Чувством глубокой нежности овеяно полотно «Мать с ребенком» (1904, Музей искусства Фогга, Кембридж, США). Фон картины расплывчат, и из его глубины выступает изящная и хрупкая, почти бесплотная женщина, с любовью прижимающая к себе ребенка. Мать и ее дитя едины, вместе они образуют подобие стройной колонны.
Поза женщины несколько усталая, но ее нежный взгляд и бережное движение придают сцене ни с чем не сравнимую лиричность. Руки героини и, возможно, чересчур длинные хрупкие пальцы не нарушают гармонии облика. Издали фигура серым пятном выделяется на темном фоне, только голубоватый фартук и красноватые блики на плече и у ног несколько оживляют и освещают полотно. Это произведение «Голубого периода» передает испытываемое человеком острое одиночество во враждебном мире, где на искреннюю любовь способны только матери, дети и животные.
Но самой яркой картиной «Голубого периода» можно считать полотно «Нищий старик с мальчиком» (1903, ГМИИ, Москва), где показана чуткая слепота одного персонажа и пассивная незрячесть другого. Композиция поражает щемящим чувством сострадания к этим людям — слепому старику с сиротой, которых объединяет любовь.
К 1904 году «голубой период» с его жаждой этического абсолюта и замкнутости в себе вошел в завершающую фазу. Пикассо поселился и прожил в парижских мастерских «Бато-Лавуар» последующие пять лет, они были названы «Розовым периодом». Мастерские стали приютом художника, а атмосфера богемного обиталища станет предметом его изображения на полотнах 1904–1908 годов.
П. Пикассо. «Мать с ребенком», 1904 год, Музей искусства Фогга, Кембридж, США
П. Пикассо. «Нищий старик с мальчиком», 1903, ГМИИ, Москва
Замечательно полотно «Мальчик с собакой» (1905, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Оно словно является откликом на стихотворение Бодлера: «Я воспеваю грязного пса… пса-комедианта…». Пикассо вслед за Бодлером хочет «воспеть славных псов… которых всякий гонит от себя, как заразу, кроме бедняка, цыгана и уличного акробата, которому они сотоварищи, и поэта, который смотрит на них взглядом собрата». Трогательно изображен мальчик, хрупкий и угловатый, но грациозный, как персонажи эпохи Кватроченто. Одинаково показан поворот голов человека и животного, ритмы композиции синхронны. Человек и пес одиноки, но глаза собаки, как и в стихотворении Бодлера, будто говорят: «Возьми меня с собой, быть может, из наших бедствий мы создадим себе подобие счастья».
Подобная сентиментальная меланхолия вообще характерна для работ «Розового», или циркового, периода Пикассо. Художник избирает своей темой эпизоды из жизни бродячих циркачей. Главной картиной периода по праву считается «Семья бродячих циркачей» (1905, Национальная галерея, Вашингтон), где изображен юный акробат, балансирующий на шаре, и наблюдающий за его тренировкой старший товарищ в костюме Арлекина. В дальнейшем этот мотив возродится в знаменитой «Девочке на шаре» (1905, ГМИИ, Москва).
П. Пикассо. «Мальчик с собакой», 1905 год, Эрмитаж, Санкт-Петербург
«Девочка на шаре» — шедевр художника. Пикассо заостряет внимание на развитии композиции вглубь: все основные персонажи расположены на последовательно уходящих вдаль планах пустынного пейзажа. Впервые живописца увлекла проблема самостоятельной пространственной формы. Она настолько захватила его, что даже несколько потеснила сам сюжет картины.
На дальнем плане видна уходящая женщина с детьми и собакой. Как призрак, белеет лошадь в бесприютности пейзажа. При изображении хрупкой девочки-акробатки и силача художник использует прием контраста. Преувеличенно могучий атлет, напоминающий колосса, прочно и прямо расположился на некоем кубическом основании, а почти невесомая, гибкая акробатка удерживает равновесие на огромном шаре.
П. Пикассо. «Девочка на шаре», 1905 год, ГМИИ, Москва
Почти половину полотна занимает атлет, на другой половине колеблется девочка посреди безжизненного пейзажа, словно тонкий стебелек, с поднятыми вверх, похожими на тонкие ветви, худыми руками. Кажется, будто об этой картине Аполлинер писал в одной из своих поэм: «Маленький дух без признаков плоти — каждый подумал». Пикассо использует колорит, основанный на теплых, почти солнечных оттенках. Розовая майка атлета созвучна пустынной охре ландшафта, а линяло-голубое трико девочки — небу, жест ее рук напоминает о кариатидах. Сюжета в картине практически нет, и все происходящее скорее похоже на ритуал: атлет подобен статуе, ни одна эмоция не трогает его лицо; а легкая улыбка девочки полна загадочности.
В 1906 году лирический «Розовый период» сменяется монументальностью и обобщенностью мощных форм. Художника привлекает женская нагота, простая, как само понятие «женщина». Таковы картины «Две обнаженные» (1906, Музей современного искусства, Нью-Йорк), «Сидящая обнаженная» (1906, Национальная галерея, Прага), «Гертруда Стайн» (1906, Метрополитен-музей, Нью-Йорк). В этом году словно произошло перерождение Пикассо. Совершенно другим художник предстает после написания «Авиньонских девушек» (1907, Музей современного искусства, Нью-Йорк). В это время мастер увлекался иберийской и негритянской скульптурой, ее оригинальной пластикой и создавал монументальные фигуры, как будто вырубленные мощными взмахами прямых линий, с использованием штриховой насечки. В «Авиньонских девушках» Пикассо смело использует резкие деформации и жесткие изломы. Подобные приемы уже говорят о переходе художника к кубизму.
Ранняя форма кубизма (1908–1912) называется аналитической. Форма дробится на мелкие части, грани и плоскости, создавая таким образом своеобразную кристаллическую структуру. Цветовая гамма в основном серая, зеленая, охристая. В это время Пикассо увлекается натюрмортами и наделяет их глубоким философским значением. Яков Тугенхольд так сказал об одном из натюрмортов Пикассо: «Бутылка на столе так же значительна, как религиозная картина». В самом деле современники считали подобные произведения некими «черными иконами», которые, хотя и составлялись из обычных хозяйственных предметов, но существовали исключительно для потребности художника в самовыражении.
По-настоящему драматичен натюрморт «Зеленая миска и черная бутылка», который стал как бы предсказанием экспрессионизма. Картина писалась под впечатлением от полученного Пикассо известия о самоубийстве его друга, художника Вигельса. Черно-красный колорит полотна передает переживания художника и звучит трагическим аккордом.
П. Пикассо. «Зеленая миска и черная бутылка»
К концу 1908 года настроение «скорби последних дней» сменяется ясной созерцательностью. Натюрморты этого времени легки и образуют несложную композицию («Горшок, рюмка, книги», Эрмитаж, Санкт-Петербург). В этом произведении сочетается аскетизм Сурбарана и условность византийской иконописи. В этом же году Пикассо познакомился с Жоржем Браком, и оказалось, что живописные искания двух мастеров совпадают. Далее в течение шести лет они вместе разрабатывали эстетику кубизма, главной целью которого являлась материализация пространства, а лучше всего эту позицию мог объяснить жанр натюрморта. Замечателен натюрморт Пикассо «Букет цветов в сером кувшине и рюмка с ложкой», где пышный букет напоминает о полотнах Руссо Таможенника: такая же вызывающая экзотичность и таинственность. В то же время растения больше похожи на искусственные восковые цветы, которые обычно делаются провинциальными ремесленниками. Художник очарован этими цветами, их тайной одушевленностью, о чем свидетельствует один из цветков, своими очертаниями поразительно похожий на стеклянную рюмку. Букет возвышается на комоде с выдвижными ящиками, словно на пьедестале; он живет своей динамичной жизнью — во все стороны направлены цветочные глаза, уши, жесты листьев, особенно красноречивые на фоне суровой сдержанности чисто испанского фона.
