Галина Дятлева - Мастера портрета
Большое место в творчестве ван Эйка отведено и собственно портретной живописи. Чувствуется, что мастер стремится не только передать внешнее сходство, но и уловить индивидуальные черты своих моделей. Во многих его портретах ощущается глубокий интерес к человеческой личности. Таковы известные картины «Кардинал Никколо Альбергатти» (1431, Музей истории искусства, Вена), «Тимофей» (1432, Национальная галерея, Лондон), «Портрет человека в красном тюрбане» (1433, Национальная галерея, Лондон), «Маргарет ван Эйк» (1439, Муниципальная художественная галерея, Брюгге).
Первый набросок к портрету кардинала Альбергатти был выполнен в 1431 году, когда в Бургундию этот кардинал и папский легат прибыли с официальным визитом. Вскоре художник внес в рисунок некоторые изменения и дополнения. Эта работа говорит о том, что ван Эйка здесь интересует прежде всего передача портретного сходства, его карандаш не касается внутренних переживаний модели. Мастер стремится как можно более точно передать индивидуальные особенности мимики, лица, фигуры кардинала.
Немного позже ван Эйк в технике масляной живописи исполнил портрет Никколо Альбергатти. Все свое внимание художник направляет на передачу внутреннего, душевного мира кардинала, не останавливаясь на детализации портретного сходства. На полотне Альбергатти предстает как человек мягкий, но в то же время неотразимо обаятельный.
О том, как развивается живописный метод мастера, особенно ярко свидетельствует картина «Тимофей». Ван Эйк изобразил задумчивого человека, несомненно, обладающего мягким и нерешительным характером.
Взгляд Тимофея, направленный в пустоту, говорит о том, что перед зрителем — необыкновенно скромный, добрый и искренний человек.
Еще более выразителен взгляд модели, представленной на портрете «Человек в красном тюрбане». Его глаза, устремленные на зрителя, красноречиво говорят о том, что их обладатель пережил какую-то личную трагедию, заставившую его страдать.
Трактовка образов в этих двух картинах несколько иная, чем в более ранних портретных работах мастера. «Тимофей» и «Человек в красном тюрбане» — в полном смысле слова психологические портреты.
В то же время ван Эйка интересует не только духовный мир конкретной личности, но и ее отношение к окружающей действительности.
Например, Тимофей взирает на мир задумчиво и спокойно, а для человека в красном тюрбане реальность — это нечто враждебное и суровое.
В 1434 году Ян ван Эйк создал свой знаменитый шедевр — «Портрет четы Арнольфини» (Национальная галерея, Лондон). Искусствоведы полагают, что на картине изображен купец из Лукки Джованни Арнольфини с супругой Джованной Ченами. Считается, что художник изобразил момент бракосочетания, когда супруги дают друг другу клятву верности и любви.
Ян ван Эйк был другом Арнольфини. Зеркало на заднем плане картины имеет надпись, которая сообщает о том, что среди свидетелей, присутствующих на свадебном обряде, находился и сам художник.
Композиция интересна тем, что фигуры супругов окружает множество предметов, имеющих символическое значение.
Так, на подоконнике и ларе рассыпаны яблоки, символизирующие райское блаженство. Хрустальные четки, лежащие на столе, воплощают благочестие, домашние туфли на полу — супружескую верность, щетка — чистоту, зажженная свеча в канделябре — символ божества, охраняющего таинство обряда. И даже маленькая собачка у ног супружеской четы наводит зрителя на мысль о верности.
Глубоким проникновением во внутренний мир моделей отличаются поздние портреты Яна ван Эйка. Глядя на картину «Портрет Яна ван Леув» (1436), зритель может догадаться о чувствах, которые испытывает изображенный на полотне человек, — настолько выразительны его глаза.
Вершиной портретной живописи стал портрет жены художника, Маргариты ван Эйк (1439, Муниципальная художественная галерея, Брюгге).
Очень объективно передает мастер характер своей модели, скрывающийся за приятным внешним обликом женщины.
Создавший множество одухотворенных портретных образов, Ян ван Эйк является одним из первых европейских мастеров портрета, выделивших его в отдельный художественный жанр.
Антонио Пизанелло
(1395–1455)
При жизни Пизанелло входил в круг самых знаменитых итальянских художников. Пизанелло являлся не только талантливым живописцем и рисовальщиком, но и замечательным медальером. К сожалению, до наших дней дошло немного его работ. Многие росписи, выполненные этим мастером, погибли.
Итальянский художник Антонио Пизанелло (настоящее имя — Антонио ди Пуччи да Черрето) родился в Пизе. Его учителем был Стефано да Верона. Известно, что Пизанелло некоторое время работал с Джентиле да Фабриано, который после смерти оставил ему все свои принадлежности для живописи. Жил мастер в Вероне, Венеции, Мантуе, где работал при дворе Гонзага, в Милане, Павии, Ферраре при дворе Лионелло д’Эсте, а также в Неаполе — здесь он занимал должность придворного художника короля Альфонса Арагонского.
В 1442 году Пизанелло принял участие в штурме Вероны войсками мантуанского герцога, за что власти Венеции лишили его права жить в Вероне и других венецианских провинциях. Славу художнику принесли его фрески. До наших дней дошли немногие из них. Так, были уничтожены росписи римской базилики Сан-Джованни ин Латерано, Дворца дожей в Венеции и замка Висконти в Павии. Сильно повреждены также фрески на сюжеты рыцарских легенд в мантуанском Палаццо Дукале.
А. Пизанелло. «Портрет Маргариты Гонзага» («Принцесса из дома д‘Эсте»), ок. 1435–1440, Лувр, Париж
В творчестве Пизанелло сильны традиции позднеготического искусства. В отличие от многих мастеров Возрождения он не интересовался проблемами передачи перспективы. Его картины характеризуются отсутствием объемности и тщательной детализацией. Художник увлеченно выписывает цветы, птиц и животных («Мадонна с куропатками», ок. 1420, Музей Кастельвеккио, Верона).
В то же время произведения Пизанелло выходят далеко за рамки позднеготической живописи. В его картинах нет того религиозного умиления, которое было свойственно творчеству средневековых мастеров, они сдержанны, лаконичны и даже суровы («Явление Мадонны святым Антонию Аббату и Георгию», ок. 1445, Национальная галерея, Лондон).
Гуманистические идеалы, свойственные искусству Возрождения, ярко проявились в творчестве Пизанелло. Художник стал основоположником нового жанра — изображение портретных медалей, стилизованных под античные монеты.
Живописных портретов мастера сохранилось всего два. Это «Портрет Маргариты Гонзага» («Принцесса из дома д ‘Эсте», ок. 1435–1440, Лувр, Париж) и «Лионелло д’Эсте» (1441, галерея академии Каррара, Бергамо).
Рогир ван дер Вейден
(ок. 1400–1464)
В отличие от жизнеутверждающей и оптимистичной живописи Яна ван Эйка искусство его младшего современника Рогира ван дер Вейдена полно внутреннего драматизма и напряженности. Особенно характерно это для раннего творчества нидерландского мастера. Такова эмоциональная и экспрессивно-выразительная композиция «Снятие с креста» (1437–1438, Прадо, Мадрид).
Нидерландский живописец Рогир ван дер Вейден (настоящее его имя — Роже де ла Пастюр) родился в Турне, в семье резчика по дереву. Считается, что свой путь в искусстве он начинал как скульптор и мастер ювелирного дела.
В 1427 году Рогир ван дер Вейден начал обучаться в мастерской Робера Кампена. В 1432 году он стал членом гильдии живописцев в Турне.
С 1435 года Рогир ван дер Вейден жил и работал в Турне, где открыл собственную мастерскую. К этому времени он был уже известным живописцем, получавшим множество выгодных заказов. Главное место в творческом наследии Рогира ван дер Вейдена занимают портреты, диптихи-складни и алтари с несколькими створками.
В алтарных композициях Рогира ван дер Вейдена нет того светлого и радостного чувства, которое пронизывает работы Яна ван Эйка. Полон трагизма полиптих «Страшный суд» (1446–1451, Капелла госпиталя, Бон, Северная Франция).
В 1450 году художник посетил Италию. Он побывал в Венеции, Риме, Ферраре. Это путешествие оказало на его творчество благотворное действие. Теперь картины мастера стали менее мрачными, в них появилось больше света и воздуха. Важную роль в алтарных композициях Рогира ван дер Вейдена начал играть пейзажный фон (триптих «Алтарь Колумбы», ок. 1458–1459, Старая пинакотека, Мюнхен). Центральная часть этого произведения — «Поклонение волхвов» — являет собой мирную сцену, в которой волхвы в своих нарядных одеждах похожи на нидерландских аристократов, современников художника. В облике одного из персонажей Рогир ван дер Вейден показал самого герцога Бургундского, Карла Смелого.
