Ирина Мудрова - Художественные течения конца XIX – середины ХХ века. 24 самых известных художника
В начале Первой мировой войны 44-летний Матисс хотел уйти в армию добровольцем, но его не взяли по состоянию здоровья. Мать осталась на оккупированных немцами территориях, брат попал в плен, сыновей призвали в армию, все друзья, в том числе Дерен и Брак, ушли на фронт. Первая мировая война, оставившая глубокий след в душе Матисса, изменила его художественную манеру. Колорит картин становится мрачным, а рисунок – почти схематичным.
В 1917 году Матисс окончательно перебрался на юг Франции, поселившись поначалу в пригороде Ниццы. Это было время невероятно интенсивного внутреннего развития: новой угловатой геометрии, сложившейся не без влияния ранее не замеченного кубизма, и нового колорита с преобладанием жемчужно-серого и черного.
После войны Матисс провел зиму в Ницце, а в 1921 году переселился туда окончательно. Расслабляющая атмосфера Южной Франции вдохновила его на создание чувственной серии «Одалиски» – в ней он изобразил облаченных в экзотические наряды женщин на декоративном фоне.
Французские художники эпохи модерн были неравнодушны к танцу. Изящные балерины Дега, примы кабаре Тулуз-Лотрека – различные ипостаси вошедшей в моду танцевальной темы. Анри Матисс не был исключением. Тема танца неизменно возникает в поворотные моменты творческого пути. Панно «Парижский танец» было задумано Матиссом на склоне лет.
В 1941 году Матисс перенес тяжелую операцию на кишечнике. В 1943 году он начал серию иллюстраций к книге «Джаз» из раскрашенных гуашью обрезков (закончена в 1947 году). В 1944 году его жена и дочь были арестованы гестапо за участие в деятельности Сопротивления.
В последние годы Анри больше работает как иллюстратор, увлекается коллажами. Он с восторгом выписывал узоры восточных ковров, тщательно добивался точных, гармоничных цветовых соотношений. Великолепны, полны таинственного внутреннего света и его натюрморты, портреты позднего времени.
В 1948 – 1953 годах по заказу доминиканского ордена Матисс создавал витражи для часовни Розового Венца в Вансе, которая была спроектирована и построена на его деньги.
Эта последняя работа Матисса, которой он придавал большое значение, – синтез многих предшествующих исканий, – достойно завершила его художественный путь. Впрочем, Матисс рисовал до последнего, даже ночью, даже после инфаркта, за день до смерти, 3 ноября 1954 года, он попросил карандаш и сделал три портретных наброска.
Картина «Музыка» написана в 1910 году
В 1908 году московский купец, меценат и коллекционер живописи Сергей Иванович Щукин, который был хорошо знаком с Матиссом, предложил художнику исполнить декоративные панно для декорации лестницы его особняка в Знаменском переулке, аллегорически изобразив процессы музыки и танца. Матисс прислал эскизы с несколькими вариантами работы. В интервью 1909 года он пояснил, что, по его замыслу, человеку, входящему в дом с улицы, нужно «сообщить чувство облегчения», поэтому для первого этажа художник выбрал сюжет с танцем. На втором этаже, полагал он, был более сообразен сюжет с музицирующими и слушающими. Так появились парные панно «Танец» и «Музыка». Тема панно «Музыка» была близка и Щукину, при обсуждении заказа он сказал, что у него дома часто исполняют классические произведения, а в зимнее время регулярно даются концерты.
Незадолго до отправки в Россию оба панно были выставлены на парижском Осеннем салоне 1910 года, вызвав грандиозный скандал эпатирующей обнаженностью персонажей и неожиданностью трактовки образов. При получении картины Щукин попросил Матисса закрасить гениталии изображенных на ней персонажей, которые, стали одной из причин скандала на Осеннем салоне. Щукин понимал, что для признания художника московской публикой его собственных убеждений было недостаточно.
Работая над мужскими фигурами при написании картины, Матисс стремился свести их к элементарным формам. Он осознанно лишал героев индивидуальности, наделяя их почти идентичными чертами лица и телосложением, чтобы изображенное воспринималось зрителем как единое целое. Своей главной задачей художник считал достижение цветовой гармонии полотна с опорой на контраст.
Всего на холсте изображено пятеро персонажей, двое из которых играют на музыкальных инструментах – скрипке и двуствольной свирели, а остальные поют. Все люди на картине находятся в неподвижности, как будто в оцепенении. Матисс сознательно выписал их силуэты упругими, гибкими линиями, чтобы придать полотну музыкальный ритм.
Существует предположение о том, что изображенные в правой части холста три подогнувших колени фигуры могут олицетворять нотные знаки, а скрипач символизирует скрипичный ключ. Другие искусствоведы полагают, что пунцовый, зеленый и синий оттенки композиции соответственно символизируют три стихии – огонь, землю и воздух.
Картина «Парижский танец» написана в 1931 – 1933 годах
В 1930 году американским коллекционером Альбертом Барнсом было заказано масштабное панно «Танец». Декоративное полотно следовало уместить в арочных сводах над окнами. Выбор сюжета и техники заказчик оставил Матиссу. Художник обратился к своей любимой теме – теме танца. Существует три варианта картины «Парижский танец». Самая первая неоконченная версия, считается лишь этюдом к картине. Второй вариант был забракован из-за ошибки Матисса в размерах помещения. Картина была переписана заново и отдана заказчику. Предыдущий (второй) вариант был дописан и в 1936 году был куплен Музеем современного искусства Парижа. «Парижский танец» справедливо считается жемчужиной коллекции этого музея – неслучайно для экспонирования гигантского полотна был выстроен специальный зал.
Работа считается одной из самых смелых и новаторских. Специально для этого заказа автор придумал и разработал оригинальную технику – декупаж (в переводе с французского – «вырезание»). Подобно гигантскому пазлу, картина собиралась из отдельных фрагментов. Из листов, предварительно окрашенных гуашью, маэстро собственноручно вырезал ножницами фигуры и куски фона, затем по рисунку, обозначенному углем, прикреплял их к основе булавками.
Пабло Пикассо 1881 – 1973
Испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер. Основоположник кубизма.
Согласно испанской традиции, он получил две фамилии, по первым фамилиям родителей: отца – Руис и матери – Пикассо.
Родился в Малаге 25 октября 1881 года. Гений Пикассо обнаружил себя рано: в 8 лет он пишет свою первую серьезную картину маслом, «Пикадор», с которой он не расставался в течение всей жизни. В возрасте 10 лет он написал свои первые картины, а в 15 лет он блестяще сдал приемный экзамен в Школу изящных искусств в Барселоне.
Сначала он подписывается своим именем по отцу Ruiz Blasco, но затем выбирает фамилию матери – Picasso.
В начале октября 1897 года Пикассо уехал в Мадрид, где поступил в Королевскую Академию изобразительных искусств Сан-Фернандо. В Барселону Пикассо вернулся в июне 1898 года, там он вступил в художественное общество «Els Quatre Gats», по названию богемного кафе с круглыми столами. В этом кафе пройдет его первая выставка.
В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касахемасом, уехал в Париж. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов.
При этих обстоятельствах в начале 1902 года он начал делать работы в стиле, впоследствии названном «голубым периодом», который назван так, поскольку различные оттенки голубого и синего доминировали в его работах в течение последующих нескольких лет. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. В работах этого периода ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903 год); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901 год).
«Девочка на шаре» (1905 год) – произведение переходного периода.
В 1904 году Пикассо поселяется в Париже.
Круг образов, начиная с 1905 года, приобретает у него иную окраску. Как будто луч надежды проникает в души его героев вместе с появлением в красочной гамме его картин более светлых и прозрачных цветов: к осветленным оттенкам синего цвета присоединяются розовые, пепельно-розовые, золотисто-розовые тона. Все же картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов.
От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы. Искания приводят его к абсолютно новому жанру. Таким образом он становится основоположником кубизма, в котором трехплоскостное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещенных воедино плоскостей.
Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам художник считает твердым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910 год). Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам.
