В. Морозова - Художественный музей Индианаполис
Американский художник Джордж Хичкок большую часть жизни провел в Голландии. Он окончил Гарвардскую школу права в 1874, но не смог сделать успешной юридической карьеры и десять лет посвятил изучению живописи в Париже, Лондоне, Дюссельдорфе и Гааге. Его всегда пленяла волшебная природа Нидерландов с ее тюльпанными полями и простым крестьянским народом. В дальнейшем именно эти сцены стали наиболее частыми в творчестве мастера.
Весьма необычно использован мифологический мотив на картине «Калипсо». По древнегреческой легенде, нимфа, жившая среди прекрасной природы на острове Огигия, спасла Одиссея после кораблекрушения и удерживала на острове семь лет, скрывая от окружающего мира. Хичкок использует современную трактовку сюжета, помещая героиню в голландский ландшафт. Калипсо изображена на фоне ярких полевых цветов, ее взгляд мечтательно устремлен в полуденное небо, белое греческое одеяние развевается на ветру. Импрессионистический пейзаж насыщен воздухом, светом, игрой светотени. При этом художник вводит легкую контрастность: струящаяся ткань, романтичность составляют некую дисгармонию с твердостью позы, тяжеловесностью самой фигуры.
Франк Вестон Бенсон (1862–1951) Солнечный свет 1909. Холст, масло. 81,3x50,8Смешение реалистических и импрессионистических традиций в искусстве Франка Вестона Бенсона не дает возможности исследователям причислить его к какому-то определенному направлению. Одна из самых известных работ художника — ряд декоративных фресок в Библиотеке Конгресса США — показывает, скорее, влияние академического реализма. В творчестве мастера сочетаются присущие ему узорность, силуэтность и импрессионистская любовь к широкому мазку и ярким светлым пейзажам. Бенсона отличает виртуозное использование переливчатого белого цвета, в котором он открывает новые возможности для передачи объема и чистоты тонов.
Неподдельный интерес к эстетике импрессионизма все же овладел живописцем, и он начал выезжать на пленэр с женой и детьми. Для полотна «Солнечный свет» художнику позировала его дочь Элеонора. Элегантный абрис ее фигуры выделяется на фоне холмов и реки, в духе традиционной изобразительности названного течения. Левой рукой девушка закрывает лицо от ослепительных лучей, которые и являются главными героями картины.
Фредерик Карл Фриске (1874–1939) День. Желтая комната 1910. Холст, масло. 81,3x81,3Фредерик Карл Фриске родился в Мичигане, но большую часть жизни провел во Франции. Он учился живописи в Чикаго, Нью-Йорке и Париже, в начале творческого пути предпочитал классические академии, позже стал посещать колонии художников в Голландии и, в особенности, в Живерни. Летний дом мастера находился по соседству с домом Клода Моне, но, несмотря на это, они не стали близкими друзьями, и в дальнейшем Фриске отрицал влияние Моне на свое творчество. В течение многих лет живописец отдавал предпочтение домашним сценам, где женщины сидят в саду или залитых солнечным светом комнатах. Он был горячо увлечен передачей ярко освещенных предметов и говорил: «То, в чем я главным образом заинтересован — это солнечный свет, цветы на солнце, женщины на солнце, обнаженные на солнце. Если бы я только мог воспроизвести это именно так, как я это вижу, то я был бы доволен».
Цветовая палитра Фриске отличается легкостью и красочностью, при этом он часто использует близкие цвета, что роднит его творчество с тональным стилем.
«День. Желтая комната» — одна из нескольких работ, написанных в любимой обстановке художника, имеющих подобные названия. В них передан именно этот интерьер, в чем исследователи видят импрессионистическую идею изображать один и тот же мотив с различных точек зрения и при разном освещении. Здесь натурщица сидит в кресле рядом с распахнутыми дверями залитой светом веранды.
Фредерик Карл Фриске (1874–1939) Платье 1915. Холст, масло. 81,3x63,5Картина «Платье» написана через пять лет после работы «День. Желтая комната» и является хорошим образцом уникального стиля Карла Фриске. На полотне изображено уже знакомое зрителю кресло, возле которого стоит дама в японском халате и с цветком в руке. Хотя художник уже не уделяет столько внимания световому впечатлению и комната погружена в матовую дымку, все же в зеркале за спиной женщины отражается яркий, почти неестественный дневной свет. Специфическое освещение и придуманные цвета выдают влияние постимпрессионистов, таких как Поль Гоген и Пьер Боннар.
К тому же, вдохновленный мотивами японской гравюры, Фриске в одном полотне использовал разные ориентальные элементы, растительный орнамент. Вертикальные полосы на стене перекликаются с цветочным узором на кресле, замысловатыми завитками на шкафу и живыми цветами на нем. Такой прием исследователи назвали декоративным импрессионизмом, в котором объединяется выразительное использование цвета и света с популярным тогда стилем группы «Наби».
Роберт Генри (1865–1929) Эдна Смит в японском палантине 1915. Холст, масло. 50,8x61Роберт Генри родился в Цинциннати, штат Огайо, его отец занимался торговлей недвижимостью. Когда мальчику было десять лет, родитель выстрелил в кого-то с целью самообороны. Семья, опасаясь за свою безопасность, переехала в Атлантик-Сити, сменила фамилию, детей отдали на усыновление. Роберт воспитывался в школе-интернате в Нью-Йорке, после чего поступил в Академию изящных искусств в Париже.
Приезд живописца в Пенсильванию в 1891 ознаменовал новый период его жизни — он открыл художественную группу «Восемь» с целью противостоять ограничениям академического искусства. Позднее она была названа историками искусства «Школой мусорного ведра» за интерес к неприглядной стороне бытия. Главенствующим стилистическим направлением объединения выступал реализм, а основным мотивом творчества Генри стало отображение современной повседневной жизни. Мастера привлекали обыденные сцены, бедные кварталы Нью-Йорка, грязные улочки с одинокими прохожими, показанные в неприкрашенном виде, во всей подчас уродливой наготе.
Для портретов Генри выбирал простые лица, таких людей зритель может встретить на каждом шагу. Картина «Эдна Смит в японском палантине» интересна присущей художнику способностью передавать характер модели, ухватить дух персонажа. Для достижения гармонии цветовых соотношений живописец использует сочетание зеленого и красного в разных оттенках и вариациях.
Джеймс Эббот Макнейл Уистлер (1834–1903) Гармония в розовом и сером: леди Me. Около 1916. Холст, масло. 193x92,2Джеймс Эббот Макнейл Уистлер родился в штате Массачусетс, но детство и отрочество провел в Санкт-Петербурге, где посещал Академию художеств. Его искусство жестко критиковалось приверженцами академических тенденций, мастер находился в особенной конфронтации с салонным искусством Франции.
Уникальной особенностью живописца явился принцип передачи первого возвышенно-лирического впечатления от модели, что является заимствованием у импрессионистов. В портрете «Гармония в розовом и сером: леди Ме» выстроенность композиции сочетается с глубоким психологизмом во взгляде героини. При изображении фигуры Уистлер подчеркивает вертикализм, что отличает многие женские портреты мастера. Сдержанность и элегантность манер леди Ме, бледная матовая кожа, прямота осанки, статичность позы придают ей схожесть с фарфоровой статуэткой.
Судьба картины окутана тайной: по словам семьи Ме, в Художественном музее Индианаполиса хранится копия полотна, сделанная одним из учеников живописца, а оригинал был продан основателю музея Фрика в 1916. Такой обычай существовал у бедных французских аристократов — на место подлинника в доме вешалась хорошая реплика, и семья не теряла репутацию.
Эдвард Хоппер (1882–1967) Нью-Йорк, Нью-Хейвен и Хартфорд 1931. Холст, масло. 81,3x127Дважды побывав в Париже, Эдвард Хоппер позаимствовал некоторые технические приемы импрессионизма, но, несмотря на это, его живопись не укладывается в рамки ни одного определенного стиля. Художник не признавал современный ему модернизм и предпочитал держаться на почтительном расстоянии от ненавистных абстракционистов. Основополагающим конфликтом в своих произведениях мастер делал противопоставление Цивилизации и Природы, но на картине «Нью-Йорк, Нью-Хейвен и Хартфорд» эти два контрастирующих понятия соединились.
Хоппер дестабилизирует композицию и привносит ощущение движения, будто зритель смотрит на происходящее из окна вагона, и этот вид сливается в единое целое. Завуалированное применение образов современной техники — частый мотив творчества художника. Ясны очертания домов, деревьев и железной дороги, но нельзя определить направление поезда, изображение — будто выхваченный фрагмент, фотография, сделанная на высокой скорости. Хоппер выработал систему знаков, имеющих особенные символические смыслы. Железная дорога и дома с подчеркнуто голыми стенами олицетворяют одиночество человека в мире технического прогресса.
