М. Силина - Музей Каподимонте Неаполь
Интересно, что уже на этой картине, которая была написана еще до создания трактата, художник изобразил предмет занятий Луки — многогранники. Именно по ним герой изучал пропорции, искал их гармоническое сочетание, так поразившее Леонардо да Винчи. Сам автор этого портрета также находился под влиянием трактатов итальянского математика. Барбари создал традиционный для того времени портрет профессионала. Он изобразил Луку за занятиями, а также тщательно запечатлел инвентарь ученого: циркули, угольники, чертежные инструменты, математический трактат и экспериментальные объемные модели фигур. Слева от героя — его ученик и меценат. Специалисты склоняются к мнению, что это Гвидобальдо да Монтефельтро, не менее знаменитый, чем математик. Он был из рода герцогов Урбинских, слыл одним из самых влиятельных меценатов того времени и покровительствовал Рафаэлю.
Бартоломео Капорали (около 1420–1500) Святой Иероним. Около 1490–1500. Дерево, масло(?). 41х23,5Бартоломео Капорали — итальянский художник из Умбрии, о котором сохранилось совсем немного данных, основную информацию о его творчестве специалисты черпают из картин, приобретенных многими музеями мира, несколько, например, хранятся в петербургском Эрмитаже. На Капорали большое воздействие оказали работы таких известных итальянских мастеров религиозной живописи XV века, как Фра Анджелико и Беноццо Гоццоли. Именно их влияние объясняет несколько архаическую застылость фигуры святого Иеронима, его иконоподобный облик. Святой изображен с традиционными атрибутами: у ног расположился лев, на заднем плане — библиотека ученого-богослова и галеро — епископский головной убор, символ Церкви.
Искусство XVI века
Перед зрителем одна из самых известных работ нидерландского мастера первой половины XVI века Бернарта ван Орлея. На портрете изображен германский кайзер, император Священной Римской империи Карл V Габсбург. Ему суждено было стать последним носителем этого титула. Ван Орлей был придворным живописцем кайзера. Мастеру удавалось органично совмещать типично фламандский колорит и острую портретную реалистичность с принципами идеализации в духе итальянского Ренессанса. Очень естественно и гармонично смотрится фигура короля в традиционной богатой одежде на сдержанном, но чистом по звучанию зеленом фоне. Неудивительно, что искусство Орлея очень ценилось при дворе, и в тот период художник создал целый ряд портретов Карла V.
Пармиджанино (1503–1540) Портрет молодой женщины (Антея). Около 1535–1537. Холст, масло. 135x88Данное всемирно известное полотно создал итальянский художник Франческо Маццола, получивший прозвище Пармиджанино, что значит «житель Пармы». Этим портретом в экспозиции музея открывается искусство итальянского маньеризма. Живописец предпочитал намеренно вытянутые пропорции, которые олицетворяли духовную сущность человека. Колорит картины будто наполнен каким-то потусторонним сиянием, этому настроению соответствует ее второе название, так как Антея — одно из прозвищ греческих богинь. Мистический свет озаряет лицо модели. Оно выступает из мерцающего сумрака зеленого фона, динамику цвету придает контраст с пышными рукавами из золотой материи. Все внимание зрителя невольно концентрируется на напряженно застывшем взгляде молодой дамы. Это одно из последних произведений мастера. По свидетельству Вазари, он был очень углублен в мистику, много занимался алхимическими опытами. В конце концов художник погиб в возрасте 37 лет от отравления во время очередного эксперимента.
Маринус ван Реймерсвале (1480/1495-1567) Два сборщика податей 1530–1540. Дерево, масло. 74x65Нидерландский художник Маринус ван Реймерсвале известен любителям искусства благодаря своим морализирующим картинам, выполненным в традиционной стилистике XVI века. В его наследии сохранилось несколько полотен, изображающих сборщиков податей. Похожие работы хранятся в знаменитых музеях — Прадо (Мадрид), Национальной галерее (Лондон), Эрмитаже (Санкт-Петербург). Помимо сборщиков податей он много раз изображал менял. Мастер писал портреты представителей этих профессий в целях нравственного наставления современников. С помощью подобных образов он хотел показать и обличить жадность, болезненную страсть к деньгам, которая уродует тело и душу человека. На сегодняшний день известны несколько десятков копий этой работы, а также масса подделок более позднего времени. Этот факт свидетельствует о том, что типы, созданные художником, стали чрезвычайно популярными среди просвещенной публики тех времен.
Херри мет де Блес (1480/1500-1550/1560) Моисей и горящий куст. Около 1540–1545. Дерево, масло. 58x71Фламандский художник Херри мет де Блес считается одним из основателей классической европейской пейзажной живописи. О нем известно очень мало и даже его имя — «мет де блес» — по сути является лишь прозвищем, означающим «с родимым пятном». Он принадлежал к группе южнонидерландских мастеров, которые развивали живописные принципы великого Иеронима Босха. Работы творца наполнены почти сказочным солнечным светом, художник словно вводит зрителя в удивительный, огромный и немного потусторонний мир пышной зелени и приветливых красок. Именно от Босха он перенял это общее ощущение фантастичности окружающей реальности. Мастер в основном рисовал пейзажи с сюжетами из Библии.
Работа «Моисей и горящий куст» дает прекрасное представление об особенностях творческой манеры Мет де Блеса. Большая часть произведения занята ландшафтом. Фигуры людей, библейская история играют второстепенную роль. Задача художника — изобразить не движения персонажей, а общую картину произошедшего, как бы с точки зрения наблюдателя, который находится вдалеке. Композиционно работа делится на две части: верхняя — небо, исполненное в глубоких тонах сине-сизой и зеленой гаммы, нижняя часть создана палитрой с преобладанием коричневых и красных оттенков. Панорама, выполненная в таком цветовом сочетании, производит почти героическое впечатление. Именно оно было нужно мастеру, чтобы символически подчеркнуть эпохальный характер происходящего события, ведь, по библейскому преданию, Моисей, пасший овец у Синая, увидел неопалимую купину. Необычный терновый куст горел, но не сгорал. Когда будущий пророк подошел к растению, с ним заговорил Бог, который призвал Моисея вывести народ Израиля из плена египетского в землю Обетованную.
Тициан Вечеллио (1488/1490-1576) Даная 1545–1546. Холст, масло. 120x172Итальянский живописец XVI века Тициан стоит в одном ряду с величайшими мастерами классического искусства Возрождения — Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэлем. В чем заключался вклад Тициана? Сейчас его работы считаются эталоном, поэтому не сразу становится понятно его истинное значение для истории искусства. Он стал первым художником Нового времени, поразившим зрителя эмоционально насыщенными образами. Мастер создавал их не с помощью сложных ракурсов или многосоставных архитектурно-пространственных кулис, а пользуясь лишь силой цвета. Именно благодаря тонально-колористической структуре полотен Тициан добивался виртуозного синтеза монументальности образов и эмоциональной энергетики колорита.
С 1554 по 1562 по заказу короля Испании Филиппа II живописец создал целую серию полотен на темы древнегреческой мифологии. Особенно известны его работы по мотивам знаменитой поэмы «Метаморфозы» Овидия, в том числе на данный сюжет. Известно четыре картины, на которых Тициан изобразил Данаю. Помимо неаполитанского музея версии хранятся в мадридском Прадо, петербургском Эрмитаже, а также в Художественно-историческом музее Вены.
Царь города Аргоса узнал от оракула о том, что погибнет от руки своего внука. Он заключил дочь в башню. Даная была настолько прекрасна, что Зевс, увидев ее, влюбился. Чтобы проникнуть к ней в покои, бог-громовержец превратился в золотой дождь. Тициан передал этот образ, изображая непосредственно золотые монеты. Даная, как это было свойственно поэтике мастера, олицетворяет торжество земных страстей. Художник с наслаждением пишет нежную кожу красавицы, ее поза очень чувственна и одновременно расслаблена и непринужденна. Тициан работает ограниченным количеством цветов, однако добивается и ощущения интимности происходящего, и эпохальности события.
Мастер был прочно связан с культурой маньеризма. Для него, как и для его просвещенных современников, ценителей и заказчиков картин, глубокие, неожиданно нахлынувшие эмоции были самым верным способом познания мира. Не последнюю роль в работах живописца играла эротическая любовь. В этой, как и во многих других картинах с изображением обнаженной натуры, Тициан создал женское тело — идеал античной пластики, к которому стремились мастера начиная с эпохи Возрождения.
