М. Силина - Художественный музей “Атенеум” Хельсинки
Французский живописец Франсуа Буше — один из самых ярких представителей рококо. Творчество этого знаменитого мастера второй половины XVIII века чрезвычайно разнообразно. Он создавал пейзажи, картины на мифологические и исторические темы, пасторали, изображал быт крестьян и галантные сцены из жизни аристократии.
Представленное полотно характерно для манеры Буше: оно написано очень свободно, колорит отличается сочностью и одновременно особой декоративностью из-за виртуозного введения золотого цвета. Так художник трактует сюжет мифа о Данае и Зевсе, который проник в покои к красавице в виде золотого дождя. Картина создана на традиционный мифологический сюжет, но юность главной героини, ее неустойчивая, динамичная, свободная поза придают композиции характер живой сценки.
Нильс Шильмарк (1745–1804) Натюрморт со свечой. Около 1795–1797. Холст, масло. 64x111,5Нильс Шильмарк, признанный мастер портрета, натюрморта и пейзажа, родился в Швеции, но жил в Финляндии. Это произведение дает возможность познакомиться с очень популярным в европейском искусстве того периода жанром — натюрмортом. Помимо точного изображения предметов он выражает философские понятия тщетности жизни и быстротечности всего живого, имеет моральный подтекст, а также является своеобразным символом устройства мира. Бытовые вещи (вазы, чаши, тарелки, драпировки), овощи, фрукты, дичь наделялись аллегорическим значением, которое считывалось зрителями.
Существовали разные темы натюрмортов, например «цветы и фрукты», «завтраки», «рынки», «убитая дичь». Образность стекла, как на этом полотне, хорошо понятна даже современному человеку — оно означает хрупкость и душевную чистоту. Наполненность сосудов водой символизирует умеренность, их опустошенность — смерть. Свеча олицетворяет быстротечность времени. Золотые и серебряные вещи — богатство, все равно не приносящее людям счастья. Надо отметить, что для мастера самого севера Европы характерна очень сдержанная, холодная палитра. Натюрморт почти монохромен: Шильмарк пишет оттенками серого и голубого, добавляя для контраста теплый охристый в изображении курительной трубки. Она призвана символизировать эфемерность земных наслаждений, которые рассеиваются, как дым от табака.
Эжен Делакруа (1798–1863) Мазепа на умирающей лошади. Около 1824. Бумага, акварель, гуашь. 22,5x31Это произведение примечательно во многих отношениях. Оно создано одним из величайших живописцев XIX века, страстным романтиком и непревзойденным колористом, французом Эженом Делакруа. Скандальный поэт Шарль Бодлер утверждал: «У Фландрии есть Рубенс, у Италии — Рафаэль и Веронезе, у Франции — Лебрен, Давид и Делакруа». Как истинный романтик Делакруа изображал драматические сюжеты, отважных героев с трагической судьбой, которые восхищали духовным величием, страстью, порывами и поступками, граничащими с безрассудством.
Мастер запечатлел и не менее легендарного героя современной ему истории — Мазепу, политического деятеля конца XVII — начала XVIII столетия. Он был гетманом войска Украины, сначала сподвижником Петра I, а позже его противника — шведского короля Карла XII. Мазепа — герой многочисленных художественных и живописных произведений. Так, например, еще один великий француз, писатель Виктор Гюго, в 1828 посвятил ему поэму. Мастеров привлекал мятежный и независимый нрав украинского государственного деятеля. О сюжете, изображенном Делакруа, можно узнать из «Истории Карла XII» Вольтера: «В молодости у него был роман с женой одного польского шляхтича, и муж его возлюбленной, узнав об этом, велел привязать Мазепу нагим к дикой лошади и выпустить ее на свободу. Лошадь была с Украины и убежала туда, притащив с собой Мазепу, полумертвого от усталости и голода. Его приютили местные крестьяне; он долго жил среди них и отличился в нескольких набегах на татар. Благодаря превосходству своего ума и образования он пользовался большим почетом среди казаков, слава его все более и более росла, так что царь принужден был объявить его украинским гетманом».
Искусство второй половины XIX-начала XX века
Фердинанд фон Райт — один из самых известных живописцев Финляндии, составивший славу истории искусства этой небольшой северной страны. Музей располагает внушительной коллекцией его работ.
Данное полотно выполнено в традиционном для первой половины XIX века жанре аллегорического пейзажа с фигурами. Здесь представлена сценка отдыха аристократической семьи. Прекрасный сад и панорамный вид пейзажа вдали делают композицию почти пасторальной. Герои затеряны среди красот природы и наслаждаются тихим досугом. Свежие и нежные цветки на кустарниках, белые голубки, безусловно, являются смысловыми деталями. Цветы означают душу, а голубки в христианстве традиционно олицетворяли Святой Дух. Изображенное место можно трактовать как райский сад. Люди написаны повернутыми спиной к зрителю, позы также символичны: они уединены, замкнуты в себе, сосредоточены на своих занятиях, им нет дела до суеты мира. Этот пейзаж — антитеза, противоположность парадному портрету (цель которого — продемонстрировать социальный статус героев). Здесь художник показывает их духовный, интимный мир. Палитра разнообразна, но и достаточно сдержанна из-за преобладания насыщенных, теплых темных тонов в нижней части картины. Она олицетворяет земное начало. Верхняя часть постепенно, от середины полотна, белеет. Привлекает внимание шатер, благодаря своему цвету становящийся символом, обозначающим купол неба. Небеса доминируют, фактически сюжету отведена лишь небольшая часть холста.
Вернер Холмберг (1830–1860) Дорога в Хеме, или Жаркий летний день 1860. Холст, масло. 88,5x103,5Любители искусства, безусловно, вспомнят о знаменитом полотне «Утро в сосновом бору» Ивана Шишкина и Константина Савицкого (1889, Государственная Третьяковская галерея, Москва), глядя на колорит и сцену данного холста. Вид чащи — излюбленный мотив пейзажистов второй половины XIX века по всей Европе. Этот пейзаж, как и большая часть живописи академического направления названного столетия, не просто является реалистически точной картиной местности, но и имеет аллегорическое значение. Лес олицетворяет душу творца, самоощущение человека в мире: одиночество, тайные страсти и страхи. Смотря на данное произведение, можно насладиться красотой природы, ее одухотворенностью.
Талантливый художник Вернер Холмберг был родом из Финляндии. Он учился в Германии, в Дюссельдорфе, и смог соединить в своем творчестве традиции немецкой романтической пейзажной живописи с тонким ощущением родной финской природы.
Здесь изображена и дорога, а в глубине виднеется повозка. Она словно часть леса — по тону, материалам, — деревенский быт гармонирует с окружающим миром. Композиция полотна строится на манер театральных кулис. Слева — массив, по центру — одинокое дерево, которое намечает перспективу и глубину сцены. Вдаль уходит проезжая дорога, ее след живописно теряется в чаще за извилистым поворотом. В глубине картины синеет даль.
Холмберг, один из самых многообещающих живописцев Финляндии, скоропостижно скончался, не дожив месяц до тридцатилетия.
Роберт Вильгельм Экман (1808–1873) Семья нищих в дороге 1860. Холст, масло. 35x44,5Роберт Вильгельм Экман — выдающийся финский живописец и педагог, взрастивший плеяду местных художников. Он работал в русле национального романтизма. Мастер учился в родной Финляндии, потом с 1824 по 1836 — в Королевской академии в Стокгольме. Уже тогда он отходил от холодного академизма и стремился отображать насущные, волнующие его темы. Экман писал портреты простых людей, а также аллегории. По окончании Академии он удостоился награды — многолетнего заграничного путешествия с целью совершенствования техники. За 1837–1844 творец побывал в Нидерландах, Франции и Италии — центрах мировой живописной культуры. После возвращения в Швецию он получил гражданство, но довольно скоро вернулся в Турку, на родину, где работал в качестве придворного художника до конца жизни.
Представленная работа характерна для творчества мастера. Традициям романтизма соответствуют идеализированный пейзаж и манера написания героев: они выглядят очень скромно и покорны судьбе. Однако сам выбор темы «странствующие нищие» говорит об осознании Экманом необходимости социальной критики в своих полотнах. Такие картины означали поворот от идеалов неоклассицизма первой половины XIX века с его четко рассчитанной композицией и обобщенными типажами к реализму. Подобные произведения восхищали ценителей изящными пейзажами и манерой письма и в то же время ненавязчиво напоминали о существовании несправедливости и расслоения в обществе. Художники делали своим героем «маленького человека». Привлекает внимание палитра мастера, особенно виртуозное изображение холодного северного неба, творец добивается интенсивного цвета.
