В. Морозова - Смитсоновский музей американского искусства Вашингтон
Элизабет Норс была целеустремленной и амбициозной личностью и стала одной из первых женщин, поступивших в Академию дизайна в Цинциннати. Она обучалась живописи, скульптуре, гравюре, а также получила навыки резьбы по дереву и фарфоровой росписи. Норс зарабатывала на жизнь, делая иллюстрации для журналов и расписывая интерьеры домов. Скопив достаточно денег, она вместе с сестрой уехала в Париж и поступила в Академию Жюльена.
Художница была принята в парижский Салон. Ее работы, индивидуальные по технике и оригинальные по эмоциональным характеристикам, быстро обрели популярность в том числе из-за выбранной тематики. Норс писала крестьянские деревенские сцены, особенное внимание уделяя образам детей, вопросам материнства и женского труда. Картина «Голландские дети», выполненная в реалистической манере, проникнута глубоким уважением, а в простых, суровых лицах ребят читается нордическая твердость характера.
Аллан Роан Крайт (1910-2007) Солнечный свет и тень 1941. Холст, масло. 64,2x99,1Аллан Роан Крайт, посвятивший значительную часть своего творчества уличным сценам в негритянских кварталах, был разносторонним и очень образованным живописцем. Он окончил знаменитую школу Музея изобразительных искусств в Бостоне, Гарвардский университет в 1968, а позднее был удостоен почетного звания доктора в Университете Саффолк. Называя себя «художником-репортером», Крайт создавал жанровые полотна с участием «обычных черных людей, живущих обычной жизнью». Он работал как журналист-историк, визуально документируя людей, места, дух ушедшей эпохи. Далеко ходить ему не приходилось: темы для произведений он искал в близлежащих окрестностях, достаточно было только выйти из дома.
Картина «Солнечный свет и тень» является типичной для творчества мастера. На ней запечатлен короткий миг из повседневности, жизнерадостно окутанный пронзительным светом и бурлящими красками. Используя многофигурную композицию, автор показывает сплоченность и миролюбивость афроамериканцев. Позднее он не раз вспоминал: «Я создавал историю нации, основываясь на собственных наблюдениях над соседями. Я хотел показать чернокожих людей как обычных людей, и нет ничего неевропейского в нашем быте и культуре». Крайт был сторонником мультикультурализма, его работы проникнуты дружелюбием и пацифистским настроением полноты жизни.
Искусство мастера можно назвать поэзией простых будней. Каждый человек на полотне включен в разговор или занят своим делом, и все вместе они выглядят счастливыми и беззаботными. Таков стиль неореализма: усиливается оптимизм эмоционального содержания, которому соответствует наивно-детская манера письма. Графичность и простота линий, локальные яркие цвета, динамичные широкие мазки наделяют полотно необычайной узорностью и декоративностью. Кажущаяся примитивность техники совпадает с доступностью идейного смысла произведения: утверждения доброты и справедливости в человеческих отношениях, равноправия людей независимо от их социального положения и расовой принадлежности.
Эндрю Уайет (1917–2009) Падающий крест 1947. Картон, яичная темпера. 104,5x122,3Эндрю Уайет, сложный и противоречивый художник, никогда не слушал мнения критиков и на протяжении всего творческого пути был приверженцем магического реализма. Он отказался от масляной техники и выработал собственную манеру писать акварелью и яичной темперой. Мастер считал, что выбранная им техника более соответствовала модернистской живописи, чем традиционное масло.
Уайет обрел популярность очень рано: в 1937 он повстречался в Нью-Йорке с арт-менеджером Робертом Макбетом, и тот устроил его персональную выставку. Публика откликнулась с большим энтузиазмом на искусство начинающего живописца, и в возрасте 20 лет Уайет стал восходящей звездой в мире искусства.
После смерти отца в 1945 мастер начал писать тоскливые и мрачные полотна, с пейзажами бесплодных земель и приглушенным колоритом. Одной из таких работ стал «Падающий крест», символизирующий коллапс духовной жизни. Основное внимание акцентируется на кресте, накренившемся под шквалистым ветром. Для усиления впечатления подавленности и тревоги автор создает динамичную композицию, располагая линию земли по диагонали и передавая быстрое движение низких грозовых туч. Стараясь выразить состояние глубокого отчаяния, художник использовал различные градации серых тонов, ведь серый цвет считается знаком меланхолии. Неслучаен и выбор времени года (осени). Уайет однажды в интервью сказал: «Я предпочитаю осень или зиму, потому что только тогда чувствуется голая структура ландшафта, одиночество и мертвенность природы».
Томас Гарт Бентон (1889–1975) Ахелой и Геракл 1947. Холст, темпера, масло. 159,6x671Томас Гарт Бентон родился в семье популярного конгрессмена штата Миссури и вопреки желанию родителей решил связать жизнь с искусством. Уже в юношестве он начал свой творческий путь, устроившись иллюстратором в газету, создавая карикатуры и комиксы. Уехав в Париж учиться в Академии Жюльена, Бентон познакомился со многими художниками, оказавшими серьезное влияние на его живописный стиль. В процессе разработки собственной манеры он экспериментировал с кубизмом и экспрессионизмом, а также примкнул к регионализму, характеризовавшемуся идеализацией деревенской жизни американского Среднего Запада.
Наиболее блестящие картины Бентона выполнены в стиле сюрреализма, основанном на вере в некую сверхреальность, которая стоит за видимыми явлениями. Единственным истинным состоянием бытия считаются сновидения, грезы, галлюцинации, ведущие к высшей реальности. Этот метафизический мир, скрытый в бессознательном, изображают на полотнах сюрреалисты, стараясь сделать композиции как можно более загадочными, мистическими.
Произведение «Ахелой и Геркулес» раньше висело в качестве настенной росписи в универмаге в Канзас-Сити, затем было приобретено Смитсоновским музеем американского искусства. Фантастическое панно представляет собой переосмысленный древнегреческий сюжет — борьбу Ахелоя и Геркулеса за сердце Дейаниры. В ходе сражения Ахелой перевоплотился в быка, и Геркулес вырвал один из его рогов. В знак триумфа рог наполнили цветами и окрестили рогом изобилия. В современной трактовке миф приобретает таинственную неопределенность. Согласно духу сюрреализма художник изображает сцену в хаосе: формы искажены, линии текучи, пространственные планы смещены, а персонажи показаны в застывших позах. Реалистически прорабатывая детали, Бентон передает общее состояние сверхъестественности, стирая границы между правдой и сном.
Уэйн Тибо (род. 1920) Сан-Франциско с западной стороны. Без даты. Холст, масло. 91,4x91,4Уэйн Тибо — одна из ведущих фигур американского поп-арта. Подростком он подрабатывал карикатуристом в Студии Уолта Диснея и рисовал комиксы. Прежде чем серьезно заняться живописью, Тибо долгое время создавал плакаты, а также трудился художником по рекламе в Калифорнии и Нью-Йорке.
Влияние абстрактного экспрессионизма на творчество мастера сказалось самым прекрасным образом: он заслужил популярность уже после первой своей выставки в 1950. Изобретательность, необыкновенная энергичность и смелое использование цвета в его картинах сразу привлекли внимание публики и арт-критиков.
Фирменный стиль Тибо в полной мере проявился в полотне «Сан-Франциско с западной стороны». Он изображает холмы города крутыми скалами, геометрически реконструируя пространство и перспективу. Таким образом, пейзаж превращается в полуабстрактную композицию. Кроме того, автор холста использует приемы поп-арта, заимствуя мотивы из массовой культуры. Здания теряют объем и выглядят цепляющимися друг за друга, напоминая части коллажа, а яркие цвета привлекают своей крикливостью, словно рекламный билборд.
Стюарт Дэвис (1892–1964) Записка 1956. Холст, масло. 91,5x71,7Стюарт Дэвис был в числе первых художников-модернистов США. Его смелые, дерзкие, красочные произведения поражают своей неординарностью. Мастер стал одной из ключевых фигур на арене национального кубизма и абстракционизма. Он внес некий вклад в развитие синтетического кубизма, начав использовать в своих полотнах неживописные элементы: обрывки рекламных объявлений, плакатов, спичечные коробки, фрагменты упаковок.
После 1950 Дэвис полностью перешел к беспредметной живописи, создавая геометрические абстракции. На картине «Записка» изображена композиция, построенная на сочетании цветовых плоскостей, извилистых линий и фигур. По мнению автора, полное исключение бытовых ассоциаций подталкивает зрителя к глубинному контакту с духовными сферами. Раскрытие области интуитивного чувствования и культивирование значимости цветовых пятен явились основными достижениями нефигуративного искусства. Отказавшись от привычных изобразительных принципов, художник ограничил возможности живописи, но усложнил аналитическую задачу зрителя.
