И. Кравченко - Музей Тиссена-Борнемисы Мадрид
В центре изображена спящая женщина, видящая во сне фантастических животных, отчего она выглядит связующим звеном между реальностью и фантазией, человеком и природой. Любимым мотивом художника были кони, также помещенные здесь: они дремлют или мирно пощипывают траву вдали. Возле дома, символизирующего, скорее всего, земной мир, рычит подавшийся назад лев, но все вокруг хранит тишину и молчание: явь не нарушает сна. Цвет символичен: Марк писал, что синий означает для него мужское, интеллектуальное, спиритуалистическое начало, желтый — женское, чувственное, красный — тяжесть материи. Под влиянием французского кубизма живописец стал придавать формам на своих холстах геометрические очертания и подчинять изображение четкому, почти орнаментальному ритму. При этом он не переходил к абстракции, и созданные им образы не теряют связи с природным, первозданным обликом. Наоборот, упрощая форму, Марк выявлял ее суть и внутреннюю пластику.
Аугуст Макке (1887–1914) Выезд гусар 1913. Холст, масло. 37,5x56,1Творческий путь талантливого немецкого художника Аугуста Макке, несмотря на его недолгую жизнь, отражает искания, которые были свойственны большинству современных ему мастеров, прошедших через увлечение разными стилями и впитавших их особенности. В картинах Макке зрелого периода видно влияние постимпрессионизма, фовизма, кубизма, итальянского футуризма.
На данной картине изображен выезд гусар — в выборе темы нашел отражение личный опыт художника, прошедшего волонтером военную службу, но, главное, сюжет позволял передать движение, ставшее самоценным для футуристов. Оттого частыми мотивами их живописи являются всадники или только лошади, поскольку и те, и другие идеально подходят для динамичной композиции, а их образы наделены разветвленной символикой. (Недаром Макке был одним из основателей группы «Синий всадник».)
Художник не изобразил лицо даже у находящегося на первом плане гусара, несколькими мазками набросал тела коней и фрагментировал их, а также нанес на живописную поверхность множество косых линий — все для того, чтобы создать иллюзию легкой скачки. Краски у него, вслед за фовистами, чисты и даже яростны: эти цвета первозданны, но, сталкиваясь, сливаются в гармонии. Они рождают подобие бравурной музыки, передающей настроение летящего в атаку полка. Фигуры кавалеристов, написанные несколькими мазками, повышенно выразительны, что свидетельствует о принадлежности Макке к экспрессионизму.
Марк Шагал (1887–1985) Обнаженный 1913. Бумага, гуашь. 34x24С 1911 по 1914 Марк Шагал жил в Париже, приехав туда со своим учителем Львом Бакстом и окунувшись во французскую художественную жизнь. Его тогдашние работы показывают, насколько органично творчество мастера из России вписалось в европейское искусство, частью которого, впрочем, была тогда русская живопись. В Париже с успехом проходили гастроли «Русского балета» Сергея Дягилева, в оформлении привозимых им спектаклей принимал участие Бакст. Считается, что гуашь «Обнаженный» навеяна образом Вацлава Нижинского, выдающегося танцовщика дягилевской труппы, с которым Шагал познакомился еще в Санкт-Петербурге.
В данной работе видно влияние кубизма и фовизма, но более всего она близка к картинам русских авангардистов — Наталии Гончаровой и Михаила Ларионова, также работавших с Дягилевым. Плавные линии сочетаются здесь с изломанными, цвета спорят друг с другом, но мастер, подобно названным художникам, даже будучи увлеченным формальными задачами, не отступал от фигуративной живописи. Тело изображенного человека выражает внутреннюю экспрессию, наполняющую образ жизненными силами.
Марк Шагал (1887–1985) Серый дом 1917. Холст, масло. 68x74После нескольких лет жизни во Франции Шагал вернулся в Россию, которую затем не мог покинуть из-за начавшейся Первой мировой войны, а потом и революции. В картине «Серый дом», написанной художником в Витебске и отразившей усвоенные им уроки кубизма и авангарда, нашел одно из своих живописных воплощений образ родного города. На первом плане клонится куда-то вбок серенький домик, похожий на сказочную избушку, а вдали виднеются церкви и среди них витебский Успенский собор. Облака в небе напоминают разворачиваемый свиток, внося апокалипсический мотив в произведение, созданное в тяжелый для страны год. Шагал объединил на своем полотне несколько планов — неказистую повседневную жизнь, тянущиеся ввысь храмы и небесное видение, а также выразил различные чувства, от лиричного и даже идилличного до тревожно-всемирного.
В углу слева изображен человек, прижавший руки к груди, по низу его одежды идет подпись мастера на французском языке. В жесте и взгляде мужчины чувствуется внутренняя молитва. Живописец, введя в картину персонажа, которого можно соотнести с ним самим, напомнил о том, что представленное есть плод его переживаний и фантазий. Типично русская надпись на заборе вносит в картину юмористический оттенок, и рядом с ощущением вечности в ней появляется настроение чего-то сиюминутного, что вот-вот исчезнет, как призрак бедной и несчастной родины, явившийся взору художника-скитальца.
Марк Шагал (1887–1985) Петух 1928. Холст, масло. 81x65,5Картина «Петух», представляющая один из тех волшебных образов, что присутствуют в зрелой живописи Шагала, была написана им во Франции, куда художник навсегда уехал из послереволюционной России. В начале новой французской жизни он работал над иллюстрациями к «Мертвым душам» Николая Гоголя и «Басням» Лафонтена. Поиски образного языка, которые вел тогда Шагал, отразились и в данном холсте: в нем соединились фантасмагорическое настроение гоголевской поэмы и мотив басен Лафонтена «Петух и Лиса» и «Петух и жемчужина».
В образном строе полотна сошлись русская сказочность с французским остроумием. На большом петухе с ярким оперением сидит верхом, обняв его и задумчиво смотря на зрителя, девушка. Юмористически поданная тема любви находит отклик в парочке, милующейся в лодке. Петух связан с древними солярными культами и символизирует вечно обновляющуюся жизнь. Сиреневый цвет ночи сочетается у Шагала, щедрого колориста, опьянявшегося красками и одновременно умевшего передавать малейшие оттенки цветов, с яркими вспышками красного, желтого, зеленого, белого. В воздухе, пронизанном бледным свечением, виден летящий ангел.
Пабло Пикассо (1881–1973) Арлекин с зеркалом 1923. Холст, масло. 100x81В картине «Арлекин с зеркалом» Пабло Пикассо, вечно изменчивый и необычайно восприимчивый художник, удачно соединил несколько образов: Арлекина из итальянской комедии дель арте, циркового акробата в соответствующем костюме и автопортрет, идеализировав свое лицо, ставшее похожим на маску. В классически правильной, атлетической фигуре изображенного проявилось влияние итальянского искусства, воспринятое Пикассо во время поездки на Апеннины. Но после кубистических исканий он не мог безоглядно следовать каким бы то ни было образцам, пропуская все через собственное восприятие и наделяя формы пластической свободой. Тонкие сочетания цветовых плоскостей показывают, насколько художник умел переработать и свои прежние достижения: эта работа — своего рода воспоминание о «голубом» и «розовом» периодах его живописи, но воспоминание мастера, прошедшего через сложные формальные поиски нового живописного языка. Присутствие в картине игрового начала, то есть отсылка к театру, и зеркала вводит в нее мотив иной, субъективной реальности.
Сальвадор Дали (1904–1989) Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната за секунду до пробуждения 1944. Дерево, масло. 51x41Работа со столь длинным названием была создана Дали в Америке, куда он уехал из Европы на время новой мировой войны. В ней соединились сюрреализм, одним из наиболее известных представителей которого был художник, и академический стиль, появившийся в работах мастера после его поездки в Италию. Облик спящей Галы классически прекрасен, но его идеальная и одновременно чувственная красота также связаны с неослабевавшим восторженным чувством, которое испытывал Дали к своей жене и музе. «Живопись — это любимый образ, — писал он, — который входит в тебя через глаза и вытекает с кончика кисти, — и то же самое любовь!»
Следуя своему увлечению фрейдистскими теориями и обладая взглядом на мир, свойственным тянувшимся к иной реальности сюрреалистам, художник большое значение придавал теме снов. Гала парит в воздухе над каменистым островком, лежащим посреди океана бессознательного. Рядом с героиней видны пчела и гранат, другой же гранат, преображенный сновидением, вырастает до огромных размеров. Он лопается, из него появляется рыба, из ее рта вырывается тигр, а из его пасти — еще один. Изображение двух диких зверей, застывших в прыжке, восходит к увиденному Дали рисунку на цирковом плакате. Штык винтовки, ассоциирующийся с пчелиным жалом и касающийся своим острием руки женщины, вот-вот разбудит ее. Художник так прокомментировал свою картину: «Целью было впервые изобразить открытый Фрейдом тип долгого связного сна, вызванного мгновенным воздействием, от которого и происходит пробуждение… жужжанье пчелы вызывает здесь укус жалом, который разбудит Галу. Вся животворящая биология возникает из лопнувшего граната. Слон Бернини на заднем плане несет на себе обелиск и атрибуты Папы римского».
