А. Майкапар - Лондонская Национальная галерея
Картина была написана для римского аристократа и банкира Чириако Маттеи. За работу 7 января 1602 Караваджо получил 150 крон. Позднее произведение приобрел кардинал Сципион Боргезе.
Каналетто (1697–1768) Двор каменщиков Около 1725. Холст, масло. 123,8×162,9Джованни Антонио Каналь по прозвищу Каналетто — итальянский художник, глава венецианской школы ведутистов (с итальянского «veduta» — «вид»), мастер городского пейзажа в стиле барокко.
Так сложилось, что в Англии оказалось довольно много произведений Каналетто. Это объясняется тем, что многие молодые аристократы, завершая цикл своего обучения, совершали образовательные поездки в Италию. В Венеции они видели множество картин Каналетто с видами города и с удовольствием их приобретали. Кстати, когда художник оказался в Англии и работал в Лондоне, его произведения не пользовались большим успехом, он был вынужден вернуться на родину.
«Двор каменщиков» является одной из лучших работ Каналетто. Представление о нем мастера основывается, в первую очередь, на полотнах, изображающих привлекательные виды Венеции, а этот живописный шедевр по своей тематике в его наследии стоит особняком. На картине изображено не празднество, не торжественный выезд дожа, не регата на Большом канале… Но, тем не менее, перед зрителем все тот же Большой канал, каким он был во времена Каналетто: с рабочим кварталом на берегу. Даже самую прозаическую тему — труд каменотесов — художник воплотил очень поэтично. На заднем плане изображена церковь и колокольня Санта-Мария делла Карита. В 1841 звонница неожиданно обрушилась, не повредив храм, и с тех пор восстановлена не была. Так что картины живописца с ее видами, в частности эта, не только представляют художественную ценность, но и являются документами эпохи.
Искусство Франции
Клод Лоррен (настоящая фамилия — Желле или Желе) — французский живописец и гравер пейзажей.
Святая Урсула — легендарная мученица, которая была убита вместе с одиннадцатью тысячами своих спутниц. Житие Урсулы имеется в «Золотой Легенде» Якова Воррагинского, откуда художники черпали подробности обстоятельств ее жизни и смерти. Сюжетом картины Лоррена служит один из последних эпизодов жития — отъезд святой из Рима после паломничества к Папе Римскому Кириаку. Это объясняет многолюдность сцены и присутствие в свите одних дев. Сама Урсула изображена с традиционным атрибутом — белым знаменем с красным крестом Воскресения. У дев другой атрибут — лук и стрелы, «инструменты» мученической смерти святой. Здание слева является архитектурным мотивом, определенно указывающим на Рим, — это часовня-ротонда Тьемпетто ди Сан-Пьетро, памятник Донато Браманте. Таким образом, можно утверждать, что Лоррен изобразил паломниц отправляющимися в свой последний путь, в Кёльн, где их ждала смерть.
Никола Пуссен (1594–1665) Поклонение золотому тельцу 1633–1634. Холст, масло. 153,4×211,8Никола Пуссен — французский живописец, основатель стиля «классицизм».
«Поклонение золотому тельцу» было задумано художником как парная картина к «Переходу через Черное море» (1633–1634, Национальная галерея Виктории, Мельбурн). Обе они были написаны для Амадео даль Поццо, кузена Кассиано даль Поццо — главного римского покровителя художника. До 1945 работы висели вместе, пока Национальная галерея не приобрела более позднюю.
Золотой телец — в Ветхом Завете золотой (либо позолоченный) идол быка, поставленный Аароном по требованию народа, обеспокоенного долгим отсутствием Моисея, говорившего с Яхве на Синайской горе. Золотому тельцу поклонялись либо как воплощению самого Бога, либо как культовому животному, служившему своеобразным троном для Бога. Возможно, рассказ о гневе Яхве и низвержении золотого тельца Моисеем отражает реальную борьбу с культом. В новоевропейской культуре золотой телец — символ наживы, власти денег, богатства, алчности.
Как и другие картины Пуссена, «Поклонение золотому тельцу» наполнено множеством персонажей, все они вовлечены в действие, а композиция составляет единое целое. В этом Пуссен был непревзойденным мастером и использовал свои находки в полной мере, воплощая их в разных композициях и контекстах. Обнаруживать такие параллели очень увлекательно. Так, танцующую перед тельцом группу художник заимствовал из более ранней работы — «Вакханалия перед статуей Бахуса» (1632–1633, Национальная галерея, Лондон), обратив ее… на 180 градусов! Неизвестно, думал ли живописец, что зритель этого не заметит, или, наоборот, рассчитывал на его проницательность?
Жан Антуан Ватто (1684–1721) Песня о любви 1715–1718. Холст, масло. 50,8×59,7Жан Антуан Ватто — французский живописец и рисовальщик, основоположник и крупнейший мастер стиля рококо. С 1712 Ватто стал вхож в Академию живописи и ваяния, основанную в Париже в 1648, но еще долгое время не состоял в ней. Парадоксальность ситуации была в том, что его картины не вписывались ни в какие академические жанры. Художнику пришлось представить еще ряд полотен, пока за «Паломничество на остров Киферу» он наконец в 1717 не был избран полноправным членом.
Круг образов, которые занимали Ватто, был уже необычайно популярен в парижском высшем свете и владел творческими умами: нет почти никакой разницы между, например, сюжетами картин автора и названиями клавесинных пьес Франсуа Куперена («Колокола Киферы» из сюиты XIV, 1722). Основным жанром творчества живописца являлись «галантные празднества»: аристократическое общество, расположившееся на лоне природы, занятое беседой, танцами, музицированием и флиртом. Картина «Песня о любви» — одна из награвированных Ле Басом и включенных в публикацию произведений Ватто, которую друг художника, Жан де Жульенн, издал в 1736. В ней работа была названа «Гамма Любви» и стала очень популярна.
Марсель Пруст так охарактеризовал Ватто: «И любовь, и удовольствия на его полотнах полны грусти. ‹…› он первым изобразил современную любовь — имеется в виду: любовь, в которой беседа, вкус к разного рода жизненным удовольствиям, прогулки, печаль, с какой воспринимается преходящий характер и праздника, и природных явлений, и времени, занимают больше места, чем сами любовные утехи, — то есть, что он изобразил любовь как нечто недостижимое в прекрасном убранстве».
Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867) Руджиеро, освобождающий Анжелику 1819–1839. Холст, масло. 47,6×39,4Жан Огюст Доминик Энгр — французский живописец, общепризнанный лидер европейского академизма XIX века.
Полотно «Руджиеро, освобождающий Анжелику» — поздняя уменьшенная версия картины, написанной художником для Людовика XVIII в 1818, ныне находящейся в Лувре.
Анжелика — дочь катайского царя в «Неистовом Роланде» — романтической эпической поэме итальянского поэта Ариосто (1474–1533) о войне христиан с сарацинами во времена Карла Великого. В героиню были влюблены несколько рыцарей — христиан и язычников. Среди них помимо героя поэмы Роланда был Руджиеро, один из языческих рыцарей-победителей. Далее сюжет очень похож на тему Персея и Андромеды. Анжелика прикована цепями к скале на морском берегу, на нее готово напасть морское чудовище. Рыцарь, приехав на гиппогрифе (мифологическое животное, наполовину — конь, наполовину — грифон), ослепил монстра волшебным мечом и надел на мизинец Анжелики магическое кольцо, которое будет ее защищать. Руджиеро освобождает девушку от оков, они садятся на крылатое животное и вместе уносятся вдаль.
Жан Огюст Доминик Энгр (1780–1867) Портрет Инесс Муатесье 1856. Холст, масло. 120×92,1Жан Огюст Энгр прославился как портретист, хотя сам считал портрет низшим жанром в сравнении с исторической живописью. С 1806–1824 он жил в Италии и изучал античное искусство и творчество художников Возрождения.
Когда банкир Сигисберт Муатесье заказал Энгру портрет своей жены, Марии-Клотильды-Инесс, он отказался от работы, но позже, увидев молодую женщину, был покорен ею и взялся за картину. Можно предположить, что Муатесье представлялась ему олицетворением классической красоты. Однако произведение не было закончено сразу: мастер дописал портрет через семь лет.
Судя по всему, создавая этот холст, Энгр вдохновлялся образцами Ренессанса: поза модели очень близка положению богини на римской фреске в Геркулануме. По первоначальному замыслу автор хотел запечатлеть и дочь Инесс, Катерину, но к моменту завершения портрета она повзрослела, и Энгр отказался от неизбежного анахронизма.
