Федор Капица - История мировой культуры
Колонна могла быть частью здания или стоять отдельно. В последнем случае она обычно увенчивается скульптурой и служит памятником (Александровская колонна с фигурой ангела). В этом случае колонна является своеобразной подставкой для статуи. Отдельно стоящие колонны использовались и как дорожные указатели.
Колонны бывают монолитными (храм Аполлона в Коринфе) или собранные из нескольких частей (барабанов), поставленных друг на друга. Обычно колонна сужается кверху, иногда получая при этом криволинейные очертания или «припухлость» (энтазис), и украшается вертикальными желобками – каннелюрами, спиралевидными канавками, а также различными изображениями, орнаментом. Ствол колонны обычно покоится на простой или сложной подставке – базе – и увенчивается капителью. Нижний барабан капители также украшался фигурами или орнаментом.
В истории архитектуры колонны сыграли свою роль как важный элемент композиции фасадов и внутреннего пространства зданий. Они выполняли как практическую, как и художественную функцию, поэтому имели значение и пропорции колонны, и характер обработки, и соотношение высоты и диаметра колонны с размерами всего сооружения. В ряде случаев колонны использовались в качестве опор для арок или сводов.
Фигура, заменяющая колонну, называется кариатидой или атлантом. Ряды колонн, объединенных горизонтальным перекрытием, образуют колоннады. Чаще всего они являются переходным звеном от окружающего здание пространства к интерьеру. Снаружи к зданию примыкает ряд портиков или галерей, которые и соединяются с ним посредством ряда колонн. Иногда колоннада может связывать несколько зданий в единое архитектурное целое. Внутри здания колонны обрамляют большие залы, организуя ритм парадного интерьера.
Иногда колоннада используется и как самостоятельное сооружение (преимущественно в садово-парковой архитектуре).
КОЛОРИТ (лат. color – цвет) – система цветовых сочетаний в произведениях изобразительного искусства. Закономерное сочетание цветов помогает глубже выразить замысел художника, передать его настроение, богатство и красоту окружающего его мира, раскрыть внутренний мир персонажа.
Одним из средств передачи является прием валёра (от франц. valeur – букв, цена, ценность) – передача последовательной градации света и тени в пределах какого-либо цвета. Его применение позволяет тоньше и богаче показывать предметы в световоздушной среде, достигать особой глубины и богатства колорита, тонкости цветовых отношений и переходов. Классический образец валёра – картина «Лунная ночь на Днепре» А. И. Куинджи.
Главное, исходное свойство колорита – богатство и согласованность цветовых оттенков, передающих многообразные свойства предмета. Исторически сложились две традиции в его трактовке. Одна происходит от традиций средневекового искусства и основана на применении системы из ограниченного количества цветов. При этом каждый цвет несет и определенную символическую нагрузку. Например, красный означает мученическую смерть, зеленый – надежду, синий – божественную чистоту. Носителем этой традиции является, например, иконопись.
Для второй характерно стремление как можно ярче, точнее и полнее передать цветовую картину мира с использованием тона, валёра и рефлексов. Для обогащения колорита используется также лессировка – нанесение тонких или полупрозрачных слоев краски для достижения нужной интенсивности цвета.
Колорит может быть теплым (преимущественно красные, желтые, оранжевые тона) и холодным (синие, зеленые, фиолетовые). По характеру цветовых сочетаний – спокойным и напряженным, по степени насыщенности и яркости цвета – ярким и блеклым, светлым и темным.
Создание колорита – настоящее искусство. Не случайно лучшими колористами всегда были выдающиеся художники – Д. Веласкес, Я. Вермеер Дельфтский, Тициан, Ж. Шарден, К. Коро, В. Суриков, И. Левитан, И. Репин. Вот почему И. Крамской говорил: «Художник-колорист в настоящем смысле слова находит на палитре именно тот тон и цвет, какой есть в действительности или какой он большему числу людей кажется».
В скульптуре и архитектуре также очень важна система цветовых отношений. Но там она обычно называется полихромией.
КОМИЧЕСКАЯ ОПЕРА
Этот жанр возник в конце XVIII века в Италии как своеобразная реакция на появление серьезной оперы (opera-seria). Таковы «Свадьба Фигаро» (1796) В. Моцарта, «Сокол» (1786). Классическими считаются «Фальстаф» Дж. Верди, «Любовь к трем апельсинам», «Дуэнья» С. Прокофьева.
Для комической оперы характерен несложный, обычно романтический сюжет, завершающийся счастливым концом. Поэтому и музыка ее ближе к бытовой, популярной, а арии по характеру приближаются к песням. Действие всегда развивается быстро, динамично, основывается на недоразумениях, размолвках, путаницах и сопровождается розыгрышами, сюрпризами, переодеваниями. Основное содержание раскрывается не в музыкальных номерах, а в разговорных диалогах, которые часто произносятся под музыку, речитативом.
По мере распространения в странах Европы комическая опера изменялась, впитывая приемы и образы различных литературных и театральных жанров. В Германии появился зинпппиль (дословно – представление с песнями) – спектакль, в котором сочетались вокал и драма, смешные сценки и дуэты героев. Во Франции обязательной частью комической оперы стали танцевальные сцены, в Италии – черты традиционной комедии масок. Такова, например, опера Г. Доницетти «Любовный напиток».
КОМПОЗИЦИЯ – важнейший организующий элемент любого произведения искусства, с помощью которого объединяются в единое целое все его компоненты, изобразительные средства и реализуется замысел художника. Поэтому основное качество композиции – логичность, четкость формы и соотнесенность частей. Прямое значение этого слова и происходит от лат. compositio – составление, соединение, связь.
Композиция имеется в любом художественном произведении: картине, романе, постройке, скульптуре, концерте, опере. Ее значение и основная задача заключаются в том, чтобы подчеркнуть основную мысль, идею произведения, чтобы каждая из его частей заняла свое, только ей предназначенное место.
Самым наглядным воплощением композиции отличаются пластические искусства, где восприятие зависит от гармонии художественной формы, расположения предметов на плоскости и формирования пространства по законам соразмерности и пропорциональности. Все эти качества и определяются композицией, правильным распределением и соотнесением составляющих частей, деталей, цветового решения.
В архитектуре композиция тесно связывается с функциональным назначением зданий, сооружений и комплексов, их конструктивными особенностями и местом в общем ансамбле. Здесь нужно говорить об объемно-пространственном решении, которое создается с помощью симметрии и асимметрии, контрастного сопоставления элементов, ритмического соотношения деталей. Важна и система пропорций, соразмерность сооружения и его отдельных форм с особенностями его зрительного восприятия.
Композиция в изобразительном искусстве определяет компоновку, расположение людей и окружающих их предметов на пространстве картины, соотношение объемов, света и тени, пятен цвета. Существует несколько типов композиций, сложившихся в различные исторические эпохи.
В истории композиции бывали периоды господства общепринятых канонов, устойчивых приемов, которые приводили к резкой ограниченности композиционных средств (в древневосточном, античном, средневековом искусстве, в искусстве Возрождения). Таковы, в частности, академические приемы композиции.
С другой стороны, наблюдалось движение от жестких канонических схем к свободным композиционным приемам. Таково искусство нового времени, где художник стремится прежде всего к предельному самовыражению, отвечающему его представлению об окружающем его мире и природе человека. Здесь соразмерность частей позволяет раздвинуть рамки объема или пространства картины.
Основные принципы композиции коренятся в обобщении накопленного многими мастерами практического опыта. Человек всегда видит заинтересованно – как действующее и мыслящее существо; намеренно или непроизвольно он выделяет те или иные стороны видимого, отстраняя другие. Уже в исходном, чувственном восприятии предметных качеств и свойств заключается, следовательно, зародыш важнейших композиционных требований: выявление существенного и изъятие незначительного. Эту практическую сторону композиции отразили слова русского художника И. Крамского: «Композиции… нельзя научиться до тех пор, пока художник не научится наблюдать и сам замечать интересное и важное. С этого только момента начинается для него возможность выражения. Когда он поймет, где узел идеи, тогда ему остается формулировать, и композиция является сама собой».
